Buchhändler Samuel Budmiger gratuliert Marietheres Bürgi für die gelungene Vernissage.
In Sursee fand die Buchvernissage eines Werkes von Louis Gut statt, das der Autor in den 1920er Jahren zwar mit viel Fleiss komponiert hat, das er aber in ein Album legte, statt es zu veröffentlichen.
Im Rückblick erweist sich sein Bild des Sempachersees als stimmiges Dokument einer Zeit, die zwar die «Errungenschaften» der modernen Technik feierte, sich aber auch vor deren Entwicklung fürchtete.
Applaus für die LektorInnen Marietheres Bürgi und Rolf Winz (hinten).
Louis Gut (1886 – 1957) beschrieb damals den See im Stil der späten oder der neuen Romantik, liess aber immer wieder durchblicken, auf welchem Grat sich der Mensch bewegte. Die Zerstörungen und die Abartigkeit des Ersten Weltkrieges im Rücken, wagte er es nicht mehr, an eine heile Welt zu glauben, und fiel in seinen Gedichten immer wieder in die menschlichen Abgründe hinab.
Kompromissloser hielt er an der stillen Natur auf seinen Bildern fest. Zwar klingt auch da die labile Stimmung der Jahrhundertwende an, aber er drückt sie im Stil der Zeit (Böcklin und Segantini) aus. Seine Fotos vom stillen See sind unzweifelhaft von den Künstlern seiner Zeit beeinflusst und strahlen deren Kraft aus.
Guts Buch zum Sempachersee ist nun im neuen Kleinverlag «Edition Waldburga» erschienen. Es stiess bei der Präsentation in der Buchhandlung am Untertor in Sursee auf ein sehr positives Echo und rief Erinnerungen wach – an Zeiten, in denen die Schweizer Mittellandseen noch nicht unter dem heutigen Dichtestress standen. Die Seen spielten noch eine Hauptrolle im Gefüge der Landschaften. Heute versinken sie allzu leicht im Lichtermeer der zusammenhängenden Siedlungen an ihren Ufern. Dass man am Sempachersee diese Stille noch heute erahnen und erleben kann, macht ihn und wenige andere Seen noch immer zum Magneten für die Menschen.
Viele gespannte Zuhörerinnen und Zuhörer vor prachtvoller Buchkulisse
Louis Gut war bis in die zehner Jahre Bauer in Kaltbach bei Sursee und zog 1923 als Privatmann nach Sursee an den See. Hier konnte er endlich dem nachhangen, was seit Jahren seine Leidenschaft war, dem Dichten und Denken, wie er es bei den deutschen Klassikern zuhause gelernt hatte. An seinem neuen Ort erarbeitete er zunächst dieses lyrische und historische Porträt des Sees.
Louis Gut, Mein stiller See. Poetische Texte und Fotos aus den zwanziger Jahren. Edition Waldburga, Sursee, 84 Seiten. Fr. 20.-
Zu beziehen in der Buchhandlung oder direkt beim Verlag:
Edition Waldburga
Bellevueweg 2
6210 Sursee
Tel. 041 921 27 92, Diese E-Mail-Adresse ist vor Spambots geschützt! Zur Anzeige muss JavaScript eingeschaltet sein., www.edition-waldburga.ch
Der Tod des von Verdi hochgeschätzten Dichters Alessandro Manzoni 1873 veranlassten Verdi, die Totenmesse zu vertonen. Die Uraufführung in der Kirche San Marco in Mailand am 22. Mai 1874 war ein Ereignis von nationaler Bedeutung. Verdis Kirchenmusik beeindruckte durch ihre opernhafte Grösse und Dramatik (besonders im «Dies irae»). Andere wieder, die Kirchenmusik als eher intime Musik verstehen, waren befremdet, wie Hans von Bülow, der im Requiem eine «Oper im Kirchengewande» sah. Im Requiem vertont Verdi eine einzige große Drohung, nämlich, dass der schwer sündenbeladene Mensch am „Tag des Zorns“ vor dem Jüngsten Gericht antreten muss, verängstigt um Gnade fleht, um der Hölle noch zu entgehen.
Niederschmetternde Wirkung der Interpretation durch Gardiner
Sir John Eliot Gardiner (Dirigent)
Die Wirkung die der, im Jahre 1998 von Prinz Charles zum Sir geadelte John Eliot Gardiner erzielt, ist alles andere als ein angenehmes, gar unterhaltsames Hörvergnügen – sie ist verstörend brutal. Diese Interpretation will erschüttern, und sie tut es in jeder Sekunde. Bar allen Romantischen, konfrontiert der Komponist den Zuhörer mit der existentiellen Angst vor dem eigenen Tod.
Prädestiniertes Orchester für dieses Gewaltwerk
Ann Hallenberg (Mezzosopran) Foto Oerjan Jakobsson
Das Orchestre Révolutionnaire et Romantique bildet eine Einheit, wie es jedes große Orchester tut, wie es ja der Sinn eines Orchesters ist, doch an jedem Opernabend, in jedem Konzert, gibt es hier und da eine Schwäche, eine klitzekleine Unsauberkeit, die gerade gehört schon wieder vergessen ist. Einfach diese kleine Menschlichkeit, doch zumindest heute war hier alles perfekt, saß jeder Bogenstrich, jeder Ton, gab es keine Unstimmigkeit im Tempo zwischen Musikern und Sängern.
Gianluca Buratto (Bass)
Dies gilt auch für den Monteverdi Chor, der nicht nach viele verschieden Stimmen klang, sondern einfach homogen. So wurden die a-capella gesungenen Passagen, so kurz sie auch sein mögen, zu einem zarten Genuss für die Ohren, gleich- bei dem Vergleich mit dem Lebensspender „Wasser“ zu bleiben,- einem sanften Sommerregen und die machtvollen, immer wiederkehrenden Fortissimo-Passagen besonders des „Dies irae“, aber auch des „Lacrimosa“oder noch mehr des doppelchörigen „Sanctus“ reißen den Zuhörer mit, wie mittlere bis hohe Sturmwellen. Es ist eben ein Markenzeichen Verdis, das nicht nur für sein kirchliches Werk gilt: Er ist ein Meister der Chöre.
Vier Solisten. Nicht mehr, nicht weniger als vier Teile eines vielteiligen Ganzen
Corinne Winters (Sopran) Foto Fay Fox
Doch er ist auch ein Meister der ausdrucksstarken Solostücke, Duette und Quartette für Solisten, die ihr Handwerk sowohl mit ihrer Stimme, als auch mit Seele und Herz ausüben. Und davon standen vier hervorragende auf der Bühne, platziert neben dem Dirigenten. Eigentlich unfair, den Bassisten besonders zu erwähnen, aber Gianlucca Buratto stach, nebst Mezzosopranistin Ann Hallenberg, besonders ins Ohr. So volltönend wie Burattos Bass so hell ist die Stimme des litauischen Tenors Edgaras Montvidas.Sein „Ingemisco“ berührt, gerade auf Grund des hellen Timbres, dass eher den Eindruck eines Jünglings vermittelt der darum bittet, auf die „rechte Seite“ gestellt zu werden, als an einen sündigen Mann. Montvidas Stimme ist lyrisch und doch kraftvoll. Reif, voll und von einem ungewöhnlich großem Umfang ist die Stimme von Mezzosopranistin Ann Hallenberg. Ihre Stimme klingt ungewöhnlich, hat Widererkennungswert und sie harmoniert in Klang, Hingabe und im Ausdruck auf wunderbare Weise mit der amerikanischen Sopranistin Corinne Winters. In ihren gemeinsamen Passagen, dem „Recordare“, wie dem „Agnus die“ scheinen sie wie zwei Wellen, die zu einer werden. Beide Künstlerinnen berühren auch einzeln mit ihrem Gesang, doch gemeinsam klingen sie vollkommen, atmen über weite Teile gar im Einklang. Winters Sopran ist von einer Reinheit, bei der sich in diesem christlichen Werk, das Adjektiv „engelsgleich“ geradezu aufdrängt. Sie führt ihre Stimme mit einer Leichtigkeit in kristallklare Höhen, doch weder die Tiefen, noch die Mittellagen scheinen ihr Schwierigkeiten zu bereiten. Ihre Emphase und Hingabe berührt spätestens bei ihrem letzten „Libera me“ so tief, dass es den Zuhörer wohlig fröstelt.
Edgaras Montvidas (Tenor) Foto Rokas Darulis
Das Auditorium im praktisch vollbesetzten Konzertsaal zeigte sich denn auch begeistert von diesem Gesamtkunstwerk und belohnte die Protagonisten mit einer stehenden Ovation, was diese sichtlich erfreute.
Der Traum eines jeden Opernfans, der Besuch einer ebensolchen im „Teatro alla Scala“ in Mailand. Am 23. Oktober war es für mich endlich soweit. Nachdem die ersten drei Tage meines Aufenthaltes in Mailand nicht grad unter einem günstigen Stern standen, freute ich mich umso mehr auf den ersten Abend im „Teatro alla Scala“, dem weltberühmten „Tempel der Oper“. Da es sich ja äusserst gut macht, einen Tempel in Begleitung einer Göttin zu betreten, hatte ich im Vorfeld dafür gesorgt, dass mir eine ebensolche, in der Person von Esther Ottiger, Frau eines guten Kollegen, zur Seite stand. Nach dem typisch italienischen Nachtessen in einem der nahegelegenen Restaurants, begaben wir uns frühzeitig zum Kassabereich im linken Gebäudeteil. Schon fast nicht mehr überraschend, dass ich auf der Presseliste nicht aufgeführt war. Glücklicherweise hatte ich die Akkreditierungsbestätigung (für 2 Personen) ausgedruckt, sodass wir die Tickets nach einigem hin und her und diversen Telefonaten ausgehändigt erhielten und uns ins Foyer zur Abholung eines Programms begaben. Fast ehrfürchtig betraten wir dann die heiligen Hallen, den grossen Saal der „Scala“, nahmen Platz auf unseren Plätzen der besten Kategorie. Wir waren bei weitem nicht die einzigen „Frischlinge“ wie ein Rundumblick bestätigte. Bald ertönten auch schon die ersten Takte der Ouvertüre durch das, unter der Leitung von Diego Fasolis auf historischen Instrumenten spielenden, Orchestra del Teatro alla Scala.
Verwirrende, verworrene Irrwege der Liebe im passenden Bühnenbild
Die zwei Scala Frischlinge gespannt auf die Vorstellung wartend
Dann Vorhang auf: ein wunderbar ästhetisches Bühnenbild: eine Art Patio in einem feudalen herrschaftlichen Haus. Der Diener Nardo, der die vermeintliche Gärtnerin Sandrina (die in Wirklichkeit die Gräfin Violante Onesti ist) begleitet, ist selbst Gärtner und kümmert sich um Kakteen. Er ist verliebt in das Dienstmädchen Serpetta, die von ihm jedoch nichts wissen will, weil sie ein Auge auf Don Anchise (Il Podestà) geworfen hat. Dieser hat eine Nichte, Arminda, welche er mit dem Conte Belfiore vermählen will. Letzterer hatte in einem Anflug von Leidenschaft die Gräfin Onesti tätlich angegriffen. Da er annahm, sie ermordet zu haben (!), floh er. „Sandrina“ versucht (aus Rache oder aus Liebe?), seine Spur aufzunehmen und hat sich deswegen als Gärtnerin einstellen lassen. „Zufällig“ begegnen sie sich beim Podestà. Um das ganze Wirrwarr noch unübersichtlicher zu machen, wohnt in diesem Hause auch noch Ramiro, ein ehemaliger Liebhaber von Arminda, der sie noch immer liebt… Dreimal darf jetzt geraten werden, welche Paare sich am Schluss der Oper zusammenfinden!
Komponist Mozart und Librettist Stierle als Vorreiter des Feminismus?
Der Salon, in dem sich die Geschichte abpielt
So verworren das auch klingt, erstaunlich feministisch ist doch der Text. Die Männer sind allesamt ziemliche Weichlinge; die Frauen haben das Zepter in der Hand. Die Musik von Mozart ist wunderbar leicht, trägt die Komödie, schlägt aber auch in Ernsthaftigkeit um oder wird poetisch, symphonisch (beim Erwachen der beiden Liebenden Violante und Belfiore z.B.). Obwohl Mozart dieses Werk bereits 1774 komponierte, sind daraus bereits „Figaro“ und „Così“ wie auch „Don Giovanni“ zu erahnen. Librettist Johann Franz Xaver Stierle stellte poetisch der „Giardiniera“ (Gärtnerin) den Herrn Belfiore (Schönblume) zur Seite.
von links Arminda, Belfiore, Marchesa, Ramiro
Die ersten beiden Akte enthalten großangelegte, effektvolle Finali. Im zweiten Akt fasst Mozart das Finale mit mehreren vorhergehenden Arien und Rezitativen zu einer großen, die Grenzen der zeitgenössischen Nummernopern sprengenden Szene zusammen.
Auftragskomposition für einen Karneval
Die 7 Protagonisten auf der Bühne der Scala
Mozart komponierte diese Boulevardkomödie im Alter von grad mal 18 Jahren als Auftragswerk für den Münchner Karneval. An der Scala präsentiert sich die „Giardiniera“ in einer äusserst amüsant, rasanten Inszenierung von Frederic Wake-Walker mit überragenden Stimmen, bei der einem, trotz einer Länge von 3 ½ Stunden, inkl. Pause, nie langweilig wurde, umgesetzt im Bühnenbild von Antony McDonald, der ebenfalls für die Entwürfe der Kostüme zeichnete. Dies in einer Koproduktion mit der Glyndebourne Festival Production. Hanna-Elisabeth Müller als Giardiniera glänzte ebenso wie Annett Fritsch als ihre Konkurrentin. Lucia Cirillo, in der Rolle des Ramiro, dank grossem schauspielerischen Rucksack, eine prädestinierte Mezzosopranistin für „Hosenrollen“, hat sie doch auch die Rolle des Octavian im Rosenkavalier von Richard Strauss in ihrem Repertoire. Auch die andern Protagnistinnen zeigten sich von ihrer besten Seite, unterstützt von einem grossartigen Hausorchester unter der magistralen Leitung des 1958 in Lugano geborenen Diego Fasolis. Eine Opera buffa, wie sie sein muss, ein vergnüglicher Abend mit wunderschöner Musik, einem homogenen Ensemble und einer Inszenierung, die das schwierig umzusetzende Werk zugänglich macht. Das Publikum zeigte sich denn auch beeindruckt und war begeistert, wie sich aus dem langanhaltenden Schlussapplaus schliessen liess.
Zu viele Köche verderben den Brei? Das Schauspielensemble präsentiert sich in Eigenregie: Auf Basis kollektiver Entscheidungsfindung erarbeiten die Schauspielerinnen und Schauspieler einen Abend ganz nach ihren Vorstellungen.
Rezension:
Open Kitchen zum zweiten
Das eigenwillige Format «Open Kitchen» des Luzerner Theaters ging am Mittwochabend in der Box in die zweite Runde. «Schauspieler mit Hacktätschli» war der Titel. Wer sich auf Hacktätschli eingeschossen hatte, hatte Pech, es wurde schnell klar, dass aus dem vielen Mehl, den unzähligen Eiern und der Schüssel voller Zwiebeln kaum Hacktätschli werden würden. Ein ungewöhnlicher Abend, das Programm hatte es erahnen lassen, Yves Wüthrich bestätigt es mit seinem Auftritt im knappen glänzig-goldigen Slip, im wehenden goldenen Morgenmantel über ziemlich nacktem Oberkörper und den goldenen Birkenstocks.
«Rührende» Momente
In der Küche, welche fürs erste Stück «Verein zur Aufhebung des Notwendigen» in der Box aufgebaut worden war, herrschte nach den ersten Momenten der Verwunderung schnell eine lockere Stimmung, wohl nicht zuletzt da die vier Schauspieler Sofia Elena Borsani, Lukas Darnstädt, Jakob Leo Stark und Yves Wüthrich die Besucher einluden, sich mit Getränken einzudecken. Das Angebot wurde rege benutzt, die ganzen anderthalb Stunden lang. Man müsse nichts verstehen, meinte Danrstädt, dürfe auch ruhig mitmachen, mitreden, sich ärgern, alles sei erlaubt. Dann begannen die vier, Mehl, Eier und Wasser zu einem Teig zu mischen und diesen minutenlang zu rühren. Sie schnitten tränenreich Zwiebeln, filmten sich dabei, deklamierten Kurzgedichte, sinnierten darüber, wie viele Hühner auf einem Körper Platz hätten, sprachen in dadaistischen Sätze miteinander und ehrten die Zwiebel mit einer Ode. Derweilen dampfte es aus der riesigen Pfanne auf der Herdplatte.
Allgegenwärtige Zwiebel
Mit der Zeit mischten sich Zuschauer unter die Schauspieler, unaufgefordert, halfen beim Schnipseln, Rühren, Aufräumen. Der Teig musste ruhen, das Publikum trank und plauderte. Dann verarbeiteten Darnstädt und Stark den Teig zu Spätzle und liessen diese in die dampfende Pfanne plumpsen. Derweilen las Sofia einen Text über eine Surferin, Lukas lag ihr zu Füssen und hörte zu, Wüthrich briet die Zwiebeln an und deren Geruch setzte sich trotz geöffneten Türen in allem fest. Die Spätzle kamen in eine Gratin-Form, Käse drüber und ab in den Ofen. Die Hacktätschli waren wie erwartet nirgends zu finden, also gab’s nur Gratin und Eis zur Nachspeise. Die Stimmung war mittlerweile sehr locker und gemütlich, einige sassen plaudernd auf dem Boden, andere unterhielten sich mit den Schauspielern.
Beim gemeinsamen Verzehr der Spätzle erklärte Darnstädt, worum es ihnen gegangen war: Mal alles selber machen, selber erarbeiten, keine Anweisungen ausführen müssen und vor allem auf Augenhöhe sein mit ihrem Publikum. «Wir wollten nichts leisten, nichts beweisen. Für uns war es wichtig, mit dem Publikum interagieren zu können.» Das funktionierte bestens, man erkannte die vier inmitten der Besucher lediglich noch an ihren Kostümen – Yves als Tell, Lukas im Taucheranzug, Sofia im geringelten Shirt mit Propeller-Cap und Jakob im Schnittmuster aus Packpapier. Ihr «Stück» war zwar eigenwillig, aber die Momente mit ihnen sympathisch und die Möglichkeit, sie mal anders zu sehen, zu erleben und persönlich zu treffen durchaus spannend.
Zwei Gedanken noch: «Open Kitchen» das «Dancemakers» der Schauspieler? Und wer kann schon seine penetrante Zwiebel-Ausdünstung erklären mit: «Entschuldigung, ich war im Theater…»
