Besetzung und Programm:
Solist*innen des Lucerne Festival Orchestra  Kit Armstrong Piano
George Gershwin (1898–1937)

Allgemeines zum, von Dr. Dolf und Maria Stockhausen gesponserten Konzert

2009 machten Bauarbeiter auf dem Dachboden eines verfallenen Hauses in St. Anne, Illinois, eine erstaunliche Entdeckung: Sie förderten dort ganze Stapel mit handgeschriebenen Noten aus der Feder von Florence Price zutage, die in dem Anwesen einst ihre Sommerresidenz unterhielt. Der sensationelle Fund führte zur Renaissance dieser grossartigen afroamerikanischen Komponistin, die nach ihrem Tod im Jahr 1953 fast völlig in Vergessenheit geraten war. Kit Armstrong stellt mit Solist*innen des Lucerne Festival Orchestra das Klavierquintett in a-Moll vor, das spätromantisches Melos mit Anklängen an Kirchenlieder und einem Juba-Tanz verbindet. Multikulturell geht es ohnehin zu an diesem Abend. Blues Reminiszenzen enthält der langsame Satz aus George Gershwins Klavierkonzert, tschechische Ohrwürmer erwarten uns bei Antonín Dvořáks Klavierquintett mit seiner hinreissenden Dumka. Parsischer Herkunft ist der 1988 verstorbene Kaikhosru Shapurji Sorabji, der eine musikalische Brücke von Ost nach West schlägt und etliche Klavierwerke vorlegte, die lange als «unspielbar» galten. Fernöstliche Impulse steuert schliesslich der Japaner Tōru Takemitsu bei.

George Gershwin  2. Satz aus dem Concerto in F, arrangiert für Trompete, Klavier und Streichquintett

Vorgeschichte zur Komposition:

“New York Symphony” – so sollte das Concerto in F ursprünglich heißen. Es entstand 1925 als Auftragskomposition für Walter Damrosch, den Chefdirigenten der New York Symphony Society. Vermutlich entschied sich Gershwin für den ‘klassischen’ Titel, um zu vermeiden, dass man sein Stück ‘nur’ als klingendes Großstadt-Gemälde wahrnahm. Denn mit dem Concerto wollte er sich einreihen in eine große, jahrhundertealte Musiktradition.

Die “Rhapsody in Blue” hatte Gershwin als Komponisten über Nacht berühmt gemacht. An diesen Erfolg wollte er ein Jahr später mit dem Concerto anknüpfen. “Viele Leute glaubten, die Rhapsody sei nur ein glücklicher Zufall gewesen”, erinnert sich Gershwin. “Also machte ich mich daran, ihnen zu zeigen, dass ich noch eine Menge mehr drauf habe als das. Ich entschloss mich, ein Werk der absoluten Musik zu schreiben. Die Rhapsody war, wie aus dem Titel zu schließen, eine Impression über den Blues. Das Concerto sollte aber unabhängig sein von einem Programm.” Gershwin hat’s klar erkannt: wer es in Amerika zu etwas bringen will, muss zeigen, was er kann! Und auch mal laut mit dem Handwerk klappern.

Zur Interpretation durch die Musiker*innen

Selbst wenn sich Gershwins Konzert an klassischen Vorbildern orientiert, er orchestrierte es sogar selbst, – mit dem jazzinspirierten Tonfall dieser Musik schimmert halt schon immer sein Grosserfolg, die «Rhapsody in Blue» durch. Die sieben Musiker*innen intonierten mit einer Mischung aus fast schon bluesiger Leichtigkeit und Entspanntheit, eine wunderbare Symbiose von Jazz und klassischen Elementen, vorgetragen mit sichtlichem Vergnügen, nicht immer nur «todernste» Klassik zu spielen, gewürdigt vom Publikum mit langanhaltendem Applaus.

Antonín Dvořák Klavierquintett A-Dur op. 81

Gleich der Beginn des 1. Satzes – einer der eindrucksvollsten Einstiege der gesamten Kammermusik – stellt ein Schubertisches Cellothema einem symphonischen Tutti nach dem Vorbild von Brahms gegenüber. Ihm folgen: ein leggiero-Thema in a-Moll, ein der Bratsche zugewiesenes, wehmütiges Seitenthema in cis-Moll und eine aus diesem abgeleitete Schlussgruppe. Die Themen werden in einer Sonatenform von monumentalen Ausmaßen verarbeitet, wobei ein Zitat aus dem A-Dur-Klavierquartett von Brahms auf das Vorbild dieses Satzes verweist. Besonders hervorzuheben sind die harmonischen Ausweichungen in der Durchführung, die bis nach Es-Moll und Ces-Dur führen, und die großartig gesteigerte Reprise des Hauptthemas.

Mit dem traurig ins Bodenlose abfallenden zweiten Thema im Kopfsatz, ist Dvorák in einer Klangwelt angelangt, in der sich die Slawen besser zurechtfinden.

Dvořáks besondere Affinität zur ukrainischen «Dumka»

In den Mittelsätzen knüpfte Dvorak an sein neun Jahre früher komponiertes Streichsextett in A und an das Quartett Opus 51 an. Wie dort, so ist auch hier das Adagio eine Dumka, wie im Sextett das Scherzo ein Furlant. Die Dumka , ein sehr melancholischer ukrainischer Volkstanz, für den der Wechsel zwischen Langsamen, melancholischen Teilen und schnellen Tanzabschnitten typisch ist. In der Dumka des Klavierquintetts hat Dvorak außerdem einen halbschnellen Zwischenteil eingefügt, der durch seine eigenartigen Klangmischungen zwischen Klavier und Streichern fasziniert. Das Thema der langsamen Teile ist von unwiderstehlicher Schönheit, die freilich einiges der berühmten Marcia funebre aus Schumanns Klavierquintett verdankt.

Der Furiant des dritten Satzes ist ein tschechischer Volkstanz im schnellen Dreiertakt, der im Trio auf wundersame Weise in ein Lyrisches Stück im Stile Griegs verwandelt wird. Das Finale konkurriert nicht mit dem Kopfsatz, sondern gibt sich als schwungvolle Polka mit kunstvoller Fugato-Durchführung.

Es ist nicht möglich, einen Satz dem anderen vorzuziehen, denn das feurige Allegro und die poetische Dumka treiben ebenso voran wie der ungestüme Furiant und das fröhliche Finale. Dass Dvoáks Stück einen wunderschönen klanglichen Eindruck macht und interessante und originelle instrumentale Effekte großer Zahl enthält, ist ebenso unzweifelhaft wie die Feststellung, dass die fünf Protagonisten auf der Bühne, die Intentionen des Komponisten schlicht grossartig umgesetzt haben. Der absolute Höhepunkt dieses Konzertabends. Das Auditorium belohnte die Protagonisten mit stürmischem Applaus und einigen Bravorufen und begab sich dann in die Foyers des KKL in die Pause.

Kaikhosru Shapurji Sorabji Transzendentale Etüde Nr. 36 (für die linke Hand)

Kaikhosru Shapurji Sorabji starb vor 34 Jahren, 1988, im biblischen Alter von 96 Jahren, und damals war er einer der unbekanntesten Komponisten des 20. Jahrhunderts. Der aus einer Parsi-Familie stammende, aber Zeit seines Lebens in England ansässige Tonsetzer, der alle Spekulationen über seine ethnische Herkunft brüsk zurückwies, hatte sich um die Verbreitung seines umfangreichen, hauptsächlich aus Klaviermusik bestehenden Oeuvres wenig gekümmert; die teilweise haarsträubenden Schwierigkeiten seiner Werke taten ein Übriges.

Auch für dieses Werk braucht es einen ganzen Konzertflügel

Obwohl dieses Oeuvre nur mit der linken Hand gespielt wird, bracht es natürlich auch den ganzen Konzertflügel und nicht nur einen halben, denn der Komponist «nötigt» die Interpreten, mit der linken Hand ab und zu auch die obersten Tasten auf der rechten Flügelseite zu betätigen, dort gar Läufe, Tremoli, Tonkaskaden einzustreuen.

Auch hier lernt man „Etüden“ in einem weiten Spektrum zwischen spezifischen technischen Aufgaben und charakteristischen Stimmungs- und Klangwerten kennen, eine teils hyperspätromantische, teils atonale Welt voll unerschöpflicher Fantasie, geistreich, blitzend in den schillernden Kaskaden, aber auch lyrisch versunken. Der oft wegen seiner Überlängen gefürchtete Sorabji zeigt sich hier auch als formbewußter Aphoristiker. Auf dieser hochinteressanten Entdeckungsreise präsentiert sich der amerikanische Tastenakrobat Kit Armstrong einmal mehr in bestechender Form, selbst da, wo er eine ultimative Grenze des überhaupt Spielbaren einräumt.

Tōru Takemitsu A Bird came down the walk für Viola und Klavier

Die Eröffnungsmelodie in der Bratsche konzentriert sich auf einem wiederholten g’, das zunächst normal gespielt wurde und dann wieder als wechselnde Obertöne auf den tieferen Saiten erklang. Der fortgeschrittene Bratschist, wie dies Wolfram Christ ist, wird Takemitsus Verwendung von Doppel-, Dreifach- und Vierfachgriffen für das Instrument gut geeignet finden. Neben den üblichen Sul-Ponticello- und Sul-Tasto-Effekten fordert Takemitsu häufig Harmonien kombiniert mit Glissandi – ein üblicher Effekt in Takemitsus Streichern, der möglicherweise von Messiaen herrührt.

Ein bemerkenswertes melodisches Merkmal ist die Verwendung von Tremolo, um Vogelgesang vorzuschlagen; An einer Stelle verwendet Takemitsu im Klavierpart die beschreibende Kennzeichnung “als Ruf eines Vogels”. Während die Beschwörung des Vogelgesangs den Titel des Stücks konnotiert, spiegelt er auch einen anderen Einfluss von Messiaen wider, dem berühmtesten Komponisten des Vogelgesangs. Die Darstellungen des Vogelgesangs sind am deutlichsten im Klavier, oft umreißen Dreiklänge auf F und Cis mit wiederkehrenden Tremolo-Figuren von 32-Noten-Figuren, die normalerweise in Tonhöhe und Register festgelegt sind, gegenüber eckigen dissonanten Melodien und dichten Harmonien in einer Schichtung Textur.

Fünftönige pentatonische Akkorde mit Dur-Beugung sind ein wiederkehrendes Merkmal des Klavierparts. Takemitsu verwendet dichte, vorwiegend tertianische Akkorde und Arpeggio Figuren, wobei sich einige Akkorde in paralleler Bewegung verschieben. Kit Armstrong präsentiert sich hier als äußerst anpassungsfähig und als kongenialer Duopartner für den Könner Christ mit der Viola. Ausgehaltene Töne, die Tritonus umreißen, verleihen dem Stück ein Element struktureller Kontinuität. Der Eröffnungsabschnitt des Stücks kontrastiert das ausgehaltene g’ der Bratsche mit den langen Basstönen des Planos auf cis/des[b]. Nach mehreren Phrasen verschiebt sich das Verhältnis um einen Schritt, wobei ein a in der Bratsche gegen E[[flat].sub.1] im Klavier zu hören ist. Spuren dieser weiträumigen linearen Verbindungen ziehen sich durch das ganze Stück, bis sich der Bass am Ende wieder auf Des niederlässt.

Die beiden Akteure durften für ihre Darbietung den verdienten, langanhaltenden Applaus des Auditoriums ernten und wurde etliche male auf die Bühne «zurückgeklatscht». A Bird Came Down the Walk ist ein wichtiger Beitrag zum fortgeschrittenen Viola-Repertoire und absolut spielwürdig.

Florence Price (1887–1953)  Klavierquintett a-Moll

Price war die erste Afroamerikanerin, deren Orchesterwerk von einem großen US-Orchester gespielt wurde. Sie behauptete bekanntlich, dass sie mit “zwei Handicaps zu kämpfen hatte – dem ihres Geschlechts und ihrer Rasse”, und ein Großteil ihrer Musik blieb bis zu ihrem Tod unveröffentlicht

Der Musikstil der Afro Amerikanerin

Obwohl ihre Ausbildung von europäischer Tradition geprägt war, besteht Price’s Musik hauptsächlich aus dem amerikanischen Idiom und offenbart ihre südlichen Wurzeln. Sie schrieb mit einem volkstümlichen Stil und verwendete Klänge und Ideen, die der Realität der städtischen Gesellschaft entsprechen. Als engagierte Christin verwendete sie häufig die Musik der afroamerikanischen Kirche als Material für ihre Arrangements. Auf Drängen ihres Mentors George Whitefield Chadwick begann Price, Elemente afroamerikanischer Spirituals zu integrieren und den Rhythmus und die Synkope der Spirituals zu betonen, anstatt nur den Text zu verwenden. Ihre Melodien waren vom Blues inspiriert und mit traditionelleren, europäischen romantischen Techniken vermischt . Die Verflechtung von Tradition und Moderne spiegelte das Leben der Afroamerikaner in den Großstädten zu dieser Zeit wider.

Symbiose von Musikstilen der alten und der neuen Welt

Obwohl das a-Moll Klavierquintett in seinem spätromantischen Idiom charakteristisch konservativ ist, feiert es Price’ afroamerikanisches Erbe mit Anklängen an Spirituals und Hymnen und den beliebten Juba-Stomping-Tanz, der seine Wurzeln in den Sklavenplantagen des tiefen Südens hat. Ebenso hat sie sich offenbar aber auch an Kompositionen von Antonín Dvořák orientiert. Anyway, dem Publikum gefiel die akustische Symbiose von alter und neuer Welt und es belohnte die Ausführenden dementsprechend mit stürmischem Schlussapplaus, der auch die Künstlerinnen mit einschloss, die sich bei Darbietung dieses Werkes nicht mehr auf der Bühne befanden.

Text: leonardwuest.ch

Fotos: Léonard Wüst  und Priska Ketterer       https://www.lucernefestival.ch/de

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Solistinnen des Lucerne Festival Orchestra
Copyright: LUCERNE FESTIVAL/Priska Ketterer

vlnr Daniel Röhn Violine Kit Armstrong Piano Manuel Kastl Violine Jens Peter Maintz Violoncello
Copyright: LUCERNE FESTIVAL/Priska Ketterer

Wokfram Chist Viola und Kit Armstrong am Klavier
Copyright: LUCERNE FESTIVAL/Priska Ketterer

Die Protagonistinnen beim Schlussapplaus Foto Léonard Wüst

Solist*innen des Lucerne Festival Orchestra

Rohes Fleisch ist nicht jedermanns Sache, und man sollte das auch nicht täglich essen. Aber ab und zu ein Tatar, das kann ein Hochgenuss sein. Erst recht, wenn man es selber macht.

Tatar oder Tartar? Der Duden sagt klar „Tatar“ und hält sich dabei an die Legende, die bereits während meiner Kochlehrzeit zirkulierte: Tatar hat seinen Ursprung bei den Tataren. Dieses gefürchtete mongolische Volk soll auf seinen Beutezügen zähes Fleisch während des Reitens unter dem Sattel in einem speziellen Ledersack weichgeritten haben.

Mir ist die zweite Version aber wichtiger und glaubwürdiger. Bekannt wurde das von dem französischen Meisterkoch Auguste Escoffier 1921 kreierte Beefsteak Tatar oder Tartare, bei dem feinen rohen Rinderhackfleisch aus der Huft» geschnitten mit einer Sauce à la Tartare auf Senf- und Ei-Basis serviert wird.

Doch längst nicht alle halten sich an den Duden, zumal unser Tatar in anderen Sprachen unter Steak tartare oder Beefsteak ta(r)tar läuft. Auch noch zum Durcheinander bei trägt die in der französischen Küche heimische Sauce tartare (harte Eier, Zwiebeln, Kapern und Schnittlauch), die zu Fisch, Austern und kaltem Braten serviert wird

Damals noch vor den Gästen zubereitet…

Ehrlich gesagt: Mir ist es im Grund egal, ob Tatar mit oder ohne r geschrieben wird. Wichtig ist, dass es nach Fleisch schmeckt und mit einer gehörigen Prise Leidenschaft zubereitet wird. Ich erinnere mich an die Stifti im Luzerner Continental (damals an der Morgartenstrasse) als das Tatar vor dem Gast und vom umtriebigen Chef de Service zubereitet wurde. Aus der Küche kam erstklassiges von Fett und Sehnen befreites Fleisch vom Rindsfilet (heute nimmt man aus Preisgründen oft Fleisch von der Huft, was auch geht, wenn diese jung und zart ist). Dazu kamen die Garnituren in kleine Schälchen und – in der Mitte des wieder zum Steak zurückgeformten Fleisches – das frische Hühnerei in der halbierten Schale. Alle Gästeaugen waren damals auf den Chef gerichtet. Ein bisschen Show mit schwungvoll geführtem Besteck, dann der Spritzer Cognac und etwas Tabasco für die Schärfe. Dann kam der Moment der Wahrheit. In den kleinen Löffelchen gab es ein Birebebitzeli“ zum Degustieren – fast immer gefolgt von einem nach «Ooohwunderbar» des Gastes.

Eine feurige Belohnung

Mein erster Tatar vor dem Gast durfte ich als Koch in Vollmontur im Hotel du Raisin in Cully zubereiten und servieren. Weil das Hotel so schmuck und so romantisch war, kehrten da auch Gäste mit entsprechender schmucker Begleitung ein. Ich zitterte ein wenig beim Anmachen der Tatar in der riesigen Schüssel und würzte gehörig mit Tabasco. Dann wollte ich, wie ich das gelernte hatte, dem Gast zum Versuchen geben. Doch der wollte das partout nicht. Es sei bestimmt gut so, meinte er. In der Küche probiere ich dann die Reste meiner Kreation – und oh Schreck: Mein Tatar war extrem scharf geraten. Ich war niedergeschlagen und wartete ängstlich auf die entsprechende Reklamation. Stattdessen kam der Kellner und überbrachte mir freudestrahlend ein saftiges Trinkgeld. «Das beste Tatar, das ich je gegessen habe», soll der Gast gesagt haben. Naja, vielleicht lag dieses Urteil auch an der Begleitung des Herrn: Feurige Frau, Feuriges auf dem Teller.

Und Heute?

Die Frage des Servicepersonals nach dem gewünschten Schärfegrad ist bei Tatar-Bestellungen im Restaurant Standard. Bei der Zubereitung allerdings wird heute auch aus zeitlichen Gründen kein grosses Brimborium vor dem Gast gemacht. Mövenpick pflegt das Tatar seit Jahren mit der hygienisch verpackten, gehackten «Tatarwurst»: Einzeln portioniert und gefroren, à la minute aufgetaut, mit der vorbereiteten Sauce angemacht und aufgetischt. So schmeckt es in allen Mövenpicks gleichermassen gut. Gastronomie mit System eben. Für Tatar geht man bei Mövenpick nicht fehl. Ganz allgemein: Bestellen Sie Tatar in Restaurants, wo dieses Gericht eine Spezialität ist und häufig bestellt wird, nicht nur alle paar Wochen einmal.

Tatar selbstgemacht? Aber sicher! Es ist keine Hexerei und macht ausserdem sehr viel Freude. Bestellen Sie beim Metzger speziell zartes Fleisch für Tatar. Auf keinen Fall soll es direkt aus dem Vakuum kommen. Weil das Vakuum Fleisch oft sehr lange verpackt, zuerst wieder etwas frische Luft atmen muss. Das gilt nicht nur für Tatar – auch für Grillfleisch etc.

Sie werden sehen, er wird es nicht immer vom teuren Filet anbieten. Schön rot allerdings muss es sein, ohne Fett und Sehnen. Schauen Sie dem Metzger tief in die Augen – dann lassen Sie das Fleisch von Hand hacken. Zack, zack, mit zwei scharfen Messern, nicht durch den Fleischwolf. Gut verpacken und ohne langen Apéro-Halt nach Hause. Fleisch auspacken und in einer Porzellanschüssel in den Kühlschrank legen. Und dann nach diesem Rezept zubereiten.

Tatar für 4 Personen

Zutaten:

600 bis 800 g Rindfleisch (obere Grenze für Vielesser)

Sauce

1 mittlere Essiggurke, abgetropft, fein gehackt

1 mittlere Zwiebel, sehr fein gehackt

1 Kaffeelöffel Kapern gehackt

1 Sardellenfilet gehackt (kann weggelassen werden)

1 Esslöffel gehackte Petersilie

2 frische Eigelb von Schweizer Eiern

1 EL Dijon-Senf scharf

1 KL Ketchup oder 1 EL Biotta Tomatensaft

2 EL Weissweinessig

3 EL Sonnenblumenöl (oder für Liebhaber: Olivenöl)

1 Spritzer Zitronensaft

1 Prise Paprika edelsüss

1 KL Sambal Olek oder 4 Spritzer Tabasco (wer es sehr scharf mag: mehr)

Cherry Tomaten und Oliven für die Garnitur. Auch Kapernäpfel passen sehr gut.

Etwas Cognac oder Whisky nach eigenem Gusto (ich ziehe den Fleischgeschmack vor und mag Cognac oder Whisky eher zum Kaffee)

Alle Zutaten gut vermischen.

Zubereitung

Das gehackte Fleisch aus dem Kühlschrank nehmen und sorgfältig mit Löffel und Gabel mit der Sauce vermischen. Mit Salz und Pfeffer abschmecken.

Wichtig: gefällig anrichten. Man kann das fertige Tatar auch in eine Kuchen-Herzform füllen, glatt streichen und anrichten. Mit wenig Salatblättern und halbierten Tomaten. Kapernäpfel und Oliven garnieren.

Garnitur: Fein gehackte Zwiebelchen, Kapern, Sardellen usw., separat in Schälchen serviert.

Anstelle von normalem Toastbrot kann man auch mal etwas anderes ausprobieren. Eine Neuentdeckung, das «Crustino Brot» in Scheiben geschnitten, getoastet und zum Tatar warm serviert.

Butter muss für mich nicht zwingend sein, Garnitur hingegen schon.

Text www.herberthuber.ch

Fotos: www.pixelio.de

Beef Tatar mit gebratenen Steinpilzen

Warmer Parmesanschaum mit Beef Tatar

Beef Tatar mit Ei

Rauchlachs Tatar

Tatar mit Wildkräutersalat

2021 feierte die Rigi Bahnen ihr 150 Jahre Jubiläum und war Grund, ein einzigartiges Festspiel zu entwickeln. Geniessen Sie unser Open-Air-Festspiel «RIGI – KÖNIGIN DER BERGE». Erleben Sie mit uns die Geschichte der Rigi, das bäuerliche Leben am Berg und die Älplerchilbi.

Schon die Anfahrt Richtung der «Königin der Berge», ausnahmsweise nicht mit dem ÖV, in diesem Fall dem Schiff ab Luzern bis nach Vitznau, sondern mit dem Auto über die legendäre Axenstrasse entlang dem Vierwaldstättersee, bis zum  Bau der Autobahnen Bestandteil der Route vom Norden über den Gotthard nach Italien, ist ein Erlebnis. Das zweite folgt dann, wenn man in Vitznau in die legendäre Rigibahn einsteigt, die uns nach Rigi Staffel, dem Schauplatz des Geschehens führen sollte.

Historie der Bahnen auf die Rigi

Die Vitznau-Rigi-Bahn (VRB) wurde am 21. Mai 1871 unter dem Namen Ringbahn als erste Bergbahn Europas eröffnet. Zusammen mit der Arth-Rigi-Bahn (ARB), die auf der anderen Bergseite verläuft, und der von Weggis kommenden Luftseilbahn Weggis–Rigi Kaltbad (LWRK) bildet sie seit 1992 die Rigi-Bahnen Aktiengesellschaft (RB). Das eigentliche 150 Jahr Jubiläum wäre also letztes Jahr gewesen, wurde aber, Corona bedingt, auf heuer verschoben.

Sanft den Berg hinauf

Vor der Bahn Ära erklomm man die Höhen des Berges per pedes, etwas begütertere Reisende liessen sich von Einheimischen mit der Sänfte sanft und bequem in die hehre Alpenwelt hinauftragen. So war beiden gedient, die Reisenden vergossen keinen Schweiss beim Aufstieg, die Einheimischen konnten ihr Auskommen etwas aufbessern, sanfter Tourismus im wortwörtlichen Sinn.

Ab 1871 gings dann mit Dampf obsi. Die Bahnen sind natürlich schon lange, seit 1937,  elektrifiziert und mit modernstem Rollmaterial bestückt. Zu besonderen Gelegenheiten und Spezialfahrten wird auch heute noch die liebevoll gepflegte Dampflok aus dem Depot geholt und erfreut Jung und Alt, wenn sie dampfschnaufend den Berg hinauf transportiert werden.

Wir nahmen also Platz auf den bequemen Bänken und ruckelten vorbei an Felswänden, quer durch saftige  Naturwiesen, lichte Anhöhen und kleine Wäldchen liessen uns 40 Minuten lang die Rigi Sonnseite hinaufchauffieren. Sicher und entspannt Rigi Staffel erreicht, begaben wir uns in das, dort speziell für die Festspiele platzierte Eventzelt für ein feines Nachtessen zur Stärkung, bevor das Spektakel begann, das ca. 500 Meter weiter entfernt, in der berühmten Schwingarena stattfinden würde.

Ausführungen des musikalischen Leiters Christoph Walter

7 in sich geschlossene Akte werden geboten mit Schwerpunkt Musik

Nicht ein Freilufttheater wie man sich das gewohnt ist erwartet die Besucher, sondern eine Mischung aus vielen, diversen  Dingen, aber alle mit Bezug auf die Rigi, ein richtiges Open Air Happening in der Schwingarena. Mit dabei sind Profimusiker genauso wie zahlreiche Amateure. Insgesamt sind 250 Leute beteiligt, darunter Jodelklubs, Trychler und ein Älpler, der auch die Rolle des Sprechers innehat. Das Festspiel setzt sich zusammen aus sieben in sich geschlossenen Akten. Jedes dieser Bilder erzählt eine eigenständige Episode der Geschichte des Bergs. So begegneten wir Mark Twain, Johann Wolfgang von Goethe oder auch Queen Victoria. Ausserdem nehmen wir an einem Alpaufzug samt Tieren teil. Und noch einiges mehr. Im Zentrum steht dabei die Musik. Sie erzählt die Geschichten, gesprochen wird eher weniger. Es wird nicht im klassischen Sinn Theater gespielt, sondern die Musik wird mit szenischen Darbietungen begleitet. Das deckt von traditioneller Volksmusik bis modernen Pop sehr vieles ab. Den Anfang machen Trychler, später wird zum Beispiel eine Interpretation von Brahms’ Erster Sinfonie genauso zu hören sein wie ein Hip-Hop-Stück mit dem Luzerner Rapper Visu. Fabienne Louves wird den Rigi-Song zum Besten geben – ein typisches Pop-Stück. Wir vermengen auch irische mit hiesigen Volksmusikklängen. Und bei Lagerfeuerromantik erklingt das Kinderlied «Weisst du, wie viel Sternlein stehen?» Es wird eine Mischung aus vielen Dingen sein. Und ein richtiges Festspiel in der Schwingarena.

Spektakel in der Rigi Schwingarena

Nach einem kurzen Spaziergang vom Eventzelt zur Schwingarena, die Platz für 2300 Zuschauer bietet, inmitten der Masse der andern Festspielbesucher traf man dort ein wo sich sonst Edelweisshemdsärmlige Stumpen rauchende Schwinganhänger versammeln und den «Bösen» der diversen Teilverbänden des Schwinger Verbandes bei deren Kämpfen um den Sieg, oder zumindest um das Eichenlaub, den Bergfestkranz, zuschauen. Jetzt aber anwesend war ein  durchmischtes Publikum und harrte gespannt der Dinge, die da kommen sollten. Und die kamen, und wie die kamen.

Das Orchester, in Grossformation, also mit Streicher*innen, enterte die zwei Bühnen an dem Platz, wo beim Rigischwingen sonst die Sägemehlringe sind und sofort gab Christoph Walter, der Chef, dessen Namen das Orchester auch trägt, den Takt, und auf seiner Handorgel oder dem Keyboard, auch den Ton an.

Dann erfreuten uns zuerst acht attraktive, junge Damen in roten Kostümen mit gekonntem Tanz zu den poppigen Rhythmen des Orchesters. Diese Tänzerinnen bekamen wir noch öfters, in diversen Outfits, darunter gar mal in «Krachledernen», zu sehen. Das Orchester spielte im Prinzip während der ganzen Aufführung begleitete, bzw. unterstützte die andern Musik darbietenden Akteur*innen.

Erster «Folkloreteil»

Sphärische Musik des Orchesters markiert den Beginn der Vorstellung, worauf Trychler in die Arena einziehen, gefolgt von singenden Blumenkindern und einer Tanzgruppe. Text gibt es kaum, als roter Faden zwischen den einzelnen Szenen fungiert ein Älpler, der in seinem Alpsegen bisweilen inhaltlich aufnimmt, was auf der Bühne zu sehen ist.

Zentrales Element des Festspiels ist die Musik, die «alles zusammenhält». So ertönen bei einer Kilbi-Szene Ländler und französische Varieté-Klänge, beim Schwingerbild wird gejodelt und Alphorn geblasen, beim Thema Krieg auf dem Berg schlagen die Trommeln den Marsch und bei der Tourismus-Szene mit dem Besuch von Königin Victoria sind royale englische Stücke zu hören.

Typisch regionale Klänge von  acht Alphörnern der Alphorngruppe Rigi, zwei davon von Damen geblasen, unterstützten die auftretenden Fahnenschwinger Zug/Schwyz bei ihrer Darbietung. Gekonnt warfen diese die Schweizerfahnen in verschiedenen Figuren und Drehungen in den Nachthimmel um sie gekonnt und auch synchron, wieder aufzufangen.

Dann, man hörte sie schon von weitem nahten sie, die berühmten Tryvchler, nicht Ueli Maurers Freiheitstrychler, sondern die Trychlergruppe Vitznau, ganz traditionell in ihren schneeweissen Kutten und den grossen, schweren Trychlen mit den schön bestickten Hals Gurten. (für nicht Insider:¨Trychlen sind die grossen, rüüdig schweren Kuhglocken für den Alpauf- und abzug)).

Farbenprächtiges, abwechslungsreiches Freiluftgeschehen auf der Königin der Berge.

Da hatte auch schon der Aelper,an diesem Abend auch der Ausrufer, eine Art Conferencier, der immer wieder zwischendurch träfe Sprüche und Reime in der Art des traditionellen Alpsegens zum Besten gab, mal ohne, mal mit dem dafür traditionell, wie ein Megaphon benutzten Milchbränteli, seinen ersten Auftritt.

Die Franzosen zu Napoleons Zeiten  ungebetene Gäste auf der Rigi

Früh morgens am 3. Mai 1799 griffen die Franzosen auf beiden Ufern des Zugersee’s die Zugänge zum Flecken Arth an, aber am Rossberg und am Rigi wurden sie zurückgeschlagen. Heute Abend in der Episode «Beresina», Schlachtszenen gespielt vom Theater Weggis, vom Christoph Walter Orchester selbstverständlich mit dem legendären Beresinalied klanglich untermalt.

Die Ländlerkapelle «Echo vom Gätterli» spielte zwischendurch immer mal wieder einen lüpfigen Schottisch oder sonst ein schönes Volksmusiklied, manchmal musizierten sie gar zusammen mit den Frauen und Mannen vom Jodler Club am Rigi.

Tonerzeugung mit Schallgeschwindigkeit, auch das gibt’s auf diesem mystischen Berg

Die Geislechlöpfer Küssnacht a. R./Weggis durften auch ihr Können demonstrieren, auch schwerer, als es auf den ersten Blick aussieht, kommt doch das Chlöpfe, also das Knallen erst zustande, Wenn der Zwick, also der Knopf am  Ende der Geisel mit Überschallgeschwindigkeit zurückgerissen wird. Die Geisel Schnüre der Herren der Geislen sind also in etwa so schnell unterwegs wie die schnellsten Jets unserer nationalen Fluggesellschaft und das schon Jahrzehnte, gar Jahrhunderte früher und länger als diese.

Mit Pauken und Trompeten marschierte zwischendurch auch noch die Feldmusik Weggis über den Schwingarenarasen.

Gar Ziegen und Kühe waren Teil des Geschehens

Höhepunkt war dann noch ein ganzer Alpaufzug mit Menschen und Tier und allem andern, was es für so einen währschaften, traditionellen Anlass braucht. Auf der Rigi folgte Schlag auf Schlag eine Szene nach der andern, also auch ohne Helene Fischer gings Atemlos durch die Nacht. Während der ganzen Zeit waren auch Buben und Jungschwinger vom Schwinger Verband Rigi, also noch nicht die «Bösen», am Rand der Wiese mit ihrem Sport beschäftigt.

Wenn Königin auf Königin trifft

Sogar die Queen persönlich, nicht das jetzige Liseli von der Insel, sondern die legendäre Queen (Königin) Victoria, erschien schon auf der Königin der Berge, der Rigi, natürlich stilgerecht auf einer Sänfte heraufgetragen und mit grosser Entourage. Passend zu ihrem Auftritt spielte das Orchester den Abba Knaller «Dancing Queen» vokal super interpretiert von der gebürtigen Französin Nelly Patty, die auch bei der Intonierung der «Marseillaise», im «Beresina Bild» stimmgewaltig glänzte. Nicht nur Bodenständiges wurde geboten, nein, gar so modernes Zügs wie ein Hip-Hop-Stück  des Luzerner Rappers Visu fand seinen Platz im Geschehen.

Versammlung am romantischen Lagerfeuer

Kaum war das Lagerfeuer entzündet sang Nelly Patti im Duett mit Christian Wanner von der Bunte Bühne Kriens und auch die Kindergruppe, die auch während des ganzen Spiels immer wieder auftrat, versammelte sich am romantischen Feuer.

Als das Duett der beiden Erwachsenen ausgesungen war, stimmte ein Mädchen der Kindergruppe «Weisst du, wie viel Sternlein stehen?» an, das von den anderen Kindern aufgenommen wurde und im Chor durch die lauwarme Sommernacht hallte.

Fabienne Louves intoniert zum Schlussfeuerwerk den  «Rigi Song»

Fabienne Louves krönte mit ihrer Darbietung des Rigi Songs, natürlich auch von Christoph Walter komponiert, diesen aufwühlenden, denkwürdigen Abend und nach und nach versammelten sich alle Akteur*innen für das Schlussbild im Rund der Schwingarena und durften den stürmischen, langanhaltenden Schlussapplaus geniessen, der zusätzlich durch etliche Bravo Rufe veredelt war, der würdige Abschluss eines Open Air Spektakels mit vielen, ja sehr vielen Glanzlichtern.

Den weltberühmten Sonnenaufgang warteten wir dann nicht mehr ab, sondern liessen uns von der Rigibahn wieder bequem zur Talstation fahren.

Nachtrag und Fazit

Die Macher des Festspiels, der Schweizer Komponist und Dirigent Christoph Walter, Veranstalter und Initiant Marco Schneider und Regisseur Markus Back, haben bereits diverse Theaterprojekte gemeinsam realisiert und bekannte Comedians bei der Erarbeitung ihrer Bühnenshows begleitet.

Mit grosser Kreativität und viel Herzblut haben die Verantwortlichen ein einzigartiges Festspiel entwickelt. «Wir sind bewusst auf die kulturellen und historischen Gegebenheiten der Rigi sowie die Menschen auf und um die Rigi eingegangen», erzählt Marco Schneider über die Entwicklung des Festspiels. Entstanden ist eine musikalische Reise, einzigartig komponiert und arrangiert. Das künstlerische Trio versteht es, Volkskultur, klassische Musik und aktuelle Songs dramaturgisch durch Choreografien, Gesang und Theater zu einem berührenden Festspiel zu verschmelzen. Ein Feuerwerk ganz ohne Böller, Raketen und Geknalle, farbenprächtig, liebevoll angerichtet, mit der richtigen Portion Humor und Ironie gewürzt und mit viel  mit Charme und Liebe serviert.

Link auf die Liste der Miwirkenden

rigi-festspiel.ch/rigi-festspiel-2/

Text: www.leonardwuest.ch

Fotos: Léonard Wüst und https://www.rigi.ch/

Homepages der andern Kolumnisten: https://noemiefelber.ch/

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Queen Victoria mit Entourage auf der Rigi

Die Mitwirkenden beim verdienten Schlussapplaus

Rigi die Königin der Berge

Aussicht auf den Vierwaldstättersee und Pilatus