Produktionsteam:

Musikalische Leitung: Rolando Garza Rodríguez Szenische Einrichtung: Friederike Schubert Bühne: Vanessa Gerotto Kostüme: Claudio Pohle Licht: Clemens Gorzella Dramaturgie: Caterina Cianfarini Choreinstudierung: Mark Daver

Besetzung:

Marina Viotti (Elisabetta I.) (19.05. / 27.05. / 15.04. / 24.04.) Theresa Kronthaler (Elisabetta I.) (30.05.) Diana Schnürpel (Maria Stuarda) Denzil Delaere (Roberto, Conte di Leicester) Bernt Ola Volungholen (Giorgio Talbot) Jason Cox (Lord Guglielmo Cecil) Sarah Alexandra Hudarew (Anna Kennedy) Chor des LT Luzerner Sinfonieorchester

Rezension:

Zwei Herrscherinnen. Allein in der Macht, vereint im Kampf um Englands Thron. Zwischen Elisabeth I. im folgenden Elisabetta genannt, der amtierenden Königin von England und Maria Stuart, Königin von Schottland, kommt es zur Auseinandersetzung, bei der eines sicher ist: Es kann nur eine Königin geben. In Donizettis Belcanto-Oper brechen sich die Leidenschaften in dramatisch zugespitzten Arien mit vorwärtsdrängenden, perlenden oder messerscharfen Tonkaskaden Bahn.

Der grosse Auftritt der englischen Herrscherin

Elisabetta erhält per Brief einen Heiratsantrag des französischen Königs, der darin auch gleichzeitig um die Freilassung Maria Stuardas bittet. Obwohl auch ihr Volk um diese Gnade ersucht, windet sich die Herrscherin in Angst um Machtverlust. Zudem ist Leicester, einer ihrer  Günstlinge, fasziniert von der ehemaligen schottischen Königin Maria und schmiedet Pläne, diese zu befreien.

Der semi – konzertanten Aufführungsart angepasstes Bühnenbild

Im hinteren Teil der Bühne, statt wie üblich im Orchestergraben, ist das Orchester platziert, das von Rolando Garza Rodriguez engagiert, manchmal, im Verhältnis zu den Sängerinnen, etwas zu laut, geleitet wird.

Das Bühnenbild, aufgrund der semi – konzertanten Aufführung auf das Wesentliche reduziert, zwei Türme, ähnlich Wachtürmen im Mittelalter, auf dem rechten steht Elisabetta, feuerrothaarig in glänzend goldener Robe, der „Bastard“ aus der Beziehung von Heinrich VIII und Anne Boleyn, wie sie von Maria Stuarda wahrgenommen und später gar bezeichnet wird, auf dem linken Turm der „reinrassige“ Tudorsprössling Maria, schwarzes, zerzaustes Kurzhaar, leuchtend rot gekleidet, seit 18 Jahren an diversen Orten in England inhaftiert, trotzdem unbeugsam, ihren, wie sie meint, berechtigten Ansprung auf den englischen Thron einfordernd.

Gefangen in ihren Turmgefängnissen

Die beiden Türme symbolisieren auch die mentalen Gefängnisse  in denen sich die Kontrahentinnen befinden. Gefangen in ihren unterschiedlichen Wahrnehmungen der Situation, blockiert in einer Sackgasse, aus der sie nicht herausfinden. Donizetti spitzt die Eskalation dramatisch zu, die zu einem veritablen verbalen Schlagabtausch eskaliert, eine Konfrontation, die es so gar nie gegeben hat, sind sich die beiden in Wahrheit doch nie persönlich begegnet. Marina Viotti als Elisabetta beherrscht die Szenerie des ersten Aktes, hat der Komponist ihr doch darin die bedeutendste Rolle zugedacht. Die drei männlichen Protagonisten, in normale Anzüge mit Krawatte gekleidet, kommen nicht so oft zum Zuge, für einmal geben die Damen den Ton an. Als Leicester Maria besucht und sie ersucht Elisabetta um Gnade zu bitten und so den Streit zu beenden, folgt diese seiner Bitte, doch die amtierende Herrscherin erweist sich als unerbittlich. Die so gedemütigte Stuarda schlägt verbal zurück, betitelt die Engländerin als abscheulichen Bastard, der den Thron entweiht habe, womit die Ausgangslage wieder den Status Quo erreicht und der schottischen Exkönigin Schicksal besiegelt ist. Während Marina Viotti als Elisabetta ihre Tiraden direkt, auch visuell, an Diana Schnürpel (Maria Stuarda) adressiert, repliziert diese zum Publikum gerichtet, die Attacken also nur indirekt konternd. So ist auch am Luzerner Theater die Engländerin die Böse, während man der Schottin wohlwollender gegenüber steht.

Stiefmütterlich behandelte Männerfiguren bei Donizetti

Männliche Figuren haben in Donizettis „Maria Stuarda“ nicht viel zu sagen, respektive zu singen. Auch, weil die zweite Hälfte des Duetts Marias mit Leicester und der zweite Teil des Duetts mit Talbot weggestrichen wurden. Wenn sie aber mal dazu kommen, ergänzen sie die zwei alles dominierenden Frauenfiguren auf den Türmen sehr gut. Jason Cox als Cecil, wie auch Bernt Ola Volungholen als Talbot halten die hohe gesangliche Qualität der Damen, Tenor Denzil Delaere als Conte di Leicester, intoniert etwas zu wenig akzentuiert, kaum ein Piano, wenn, dann mit hörbar Mühe. Sehr gut auch der Chor ebenso die aufmerksame Anna, Sarah Alexandra Hudarew, als Amme und Vertraute Marias.

Des Dramas zweiter Akt

Nachdem Elisabetta auf Drängen ihres Beraters Cecil das von einer Kommission Adliger vor drei Monaten gefällte Todesurteil für Maria unterzeichnet hat, nimmt sie die rote Perücke vom Kopf und schält sich aus ihrer engen Korsage wie aus einem Kokon (Kostüm: Claudio Pohle) scheint sich aber nicht sicher zu sein, ob sie richtig gehandelt hat, wie ein fragender Blick Richtung der Stuarda andeutet. Sie verpflichtet  Leicester noch, bei der Exekution, in Form der Enthauptung, anwesend zu sein, die am folgenden Tag nach dem dritten Böllerschuss erfolgen soll. Dieser hat die Hoffnung noch nicht aufgegeben, dass, falls Maria sich einsichtig zeigt und Abbitte leistet, Elisabetta sie doch noch begnadigen würde. Als die Hinrichtung unmittelbar bevor steht, äussert Maria gegenüber Cecil folgende zwei Wünsche: Anna, ihre Vertraute, soll sie zur Richtstätte begleiten. Er, Cecil, soll Elisabetta ausrichten, sie, Maria, bete für  England und seine Herrscherin um Segen, auch hätte sie ihr verziehen und ihr vergossenes Blut werde der englischen Königin Gewissen reinwaschen. Dann sehen sich Maria und Leicester ein letztes Mal. Sie singt ihr Schlussgebet – und plötzlich hält das Orchester inne. Maria verlässt über eine Treppe ihr Gefängnis, den Turm (symbolisch für das Kopfrollen nach dem dritten Böller?).

Eine gesangliche Parforceleistung der zwei Hauptfiguren dieses Dramas, die nicht nur bildlich, ( auf dem Turm), sondern auch stimmlich immer auf der Höhe waren.

Das Premierenpublikum honorierte die Leistung der Protagonisten mit langanhaltendem, starkem Applaus, konnte sich aber nicht zu einer stehenden Ovation entschließen. Zu zwiespältig die Eindrücke, eignet sich doch eine Tragödie weit weniger für eine semi – konzertante Aufführung, als, wie letztes Mal, die quirlige Komödie L’italiana in Algeri».

Nachtrag:

Zitat Maria Stuarda: „In my End is my Beginning…“ Dies ist das Sprichwort, das Mary während ihres Gefängnisaufenthaltes in England auf ihr Tuch des Eigentums bestickt hat und das Thema in ihrem Leben ist. Es symbolisiert die Ewigkeit des Lebens nach dem Tod und Maria ließ sich wahrscheinlich von dem von ihr angenommenen Emblem inspirieren.

Kleine Fotodiashow der Produktion von Ingo Hoehn:

fotogalerien.wordpress.com/2018/04/18/luzerner-theater-maria-stuarda-belcanto-oper-von-gaetano-donizetti-semikonzertante-auffuehrung-premiere-14-april-2018-besucht-von-leonard-wuest/

Text: www.leonardwuest.ch

Fotos: www.luzernertheater.ch

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Produktionsteam:

Choreographie, Bühne und Kostüme «Äffi»: Marco Goecke Choreographie und Bühne Uraufführung: Fernando Hernando Magadan Choreographie und Bühne «I New Then»: Johan Inger Kostüme: Bregje van Balen

Besetzung:

Tanz Luzerner Theater: Zach Enquist, Carlos Kerr Jr., Olivia Lecomte, Dor Mamalia, Sada Mamedova, Aurélie Robichon, Tom van de Ven, Andrea Thompson, Giovanni Insaudo, Sandra Salietti, Valeria Marangelli, Louis Steinmetz, Aurora Stretti

Rezension:

Roll’n’Rock it, das sind drei Tanzstücke, drei Choreographien und Musik von The Doors, Johnny Cash und Van Morrison, eine wiederum neue Seite des Ensembles Tanz Luzerner Theater und ein gelungener Abend mit viel Rhythmus, Energie und einer Prise Komik.

Für «Flying High», einer Uraufführung und kreiert für Tanz Luzerner Theater, wählte Fernando Hernando Magadan Stücke von The Doors. Die Bühne ist sozusagen eine Bühne auf der Bühne, zwei grosse Lautsprechertürme, ein Mikrofon, mal als brennende Lampe, mal als rauchende Verführung, Scheinwerferchoreografien wie an Rockkonzerten. Es ist die tänzerische Übersetzung der 60iger Jahre, des Lebens auf der Überholspur von Jim Morrison. Das ist hektisch, organisiert chaotisch und gleichzeitig unglaublich rhythmisch, dynamisch und schnell. Die Tänzerinnen und Tänzer vermitteln ein Gefühl von Untergang, von Zerrissenheit, Menschen, Paare, suchen sich, versuchen sich, und finden sich doch nicht.

Komplexe Bewegungsabläufe

«Äffi» von Marco Goecke ist ein Solo, ein Solo für zwei Arme, zwei Hände und einen Rücken, denn fast die ganzen 11 Minuten steht der Tänzer (an diesem Abend ein sehr überzeugender Louis Steinmetz) mit dem Rücken zum Publikum. Und was für ein Rücken! («Der war doch drauf projiziert» meinte ein Besucher in der Pause «der ist doch nicht real».) Makellos, muskulös, Rippenbögen, die sich bei Drehungen herausschälen, Wirbel, die sich einer nach dem anderen aufeinander fügen, Muskelspiele, kunstvoll ausgelichtet. Dieser Anblick kann durchaus kurz ablenken von den komplexen, virtuosen Bewegungsabläufen. Für Goecke ist der Körper ein Gefängnis, die Bewegung die Befreiung daraus. Steinmetz greift nach dieser Freiheit, mit fliegenden Armen, flatternden Händen, zittrigen Fingern, das erinnert an verwundete Vögel, verletzte Flügel. Und trotzdem ist da eine Leichtigkeit, als würde Goeckes ganz eigene Tanzsprache sich ganz von selbst ergeben zu den Songs von Johnny Cash. Das sind Bilder die sich tief einprägen.

Liebe, Verlust und Komik

Das letzte Stück «I new then» von Johan Inger, eine Schweizer Erstaufführung, wie übrigens «Äffi» auch, erzählt vom Erwachsen werden, von Liebe und Verlust zu Songs von Van Morrison. Aber bevor das Ganze ins Tragische abdriften kann, schwenkt es über ins Komische. Auch dieses Stück ist energiegeladen und wild. Eine Augenweide ist der Gasttänzer Jérôme Marchand, der vorübergehend für den verletzten Giovanni Insaudo einspringt. Trotz seiner 2 m Körpergrösse bewegt er sich wie eine Raubkatze, unglaublich elegant und elastisch.

Ein Tipp noch: Sollten Sie den Besuch noch vor sich haben, planen Sie Zeit für die Einführung. Die Dramaturgin Selina Beghetto vermittelt ihre Begeisterung mit so viel Humor, Unverkrampftheit und Spontaneität, dass man sich danach lachend mit wildfremden Menschen austauscht, voller Vorfreude Richtung Theatersaal schreitet und, wenn man es noch nicht getan hat, noch schnell ein Programmheft kauft.

Text: www.gabrielabucher.ch  Fotos: luzernertheater.ch

Besetzung und Programm:

Rezension:

Grundsätzliches zu den Protagonisten

Das im Jahre 1934 gegründete Orchestre National de France, das erste ständige Sinfonieorchester Frankreichs, war schon des Öftern zu Gast im Konzertsaal des KKL in Luzern, so u.a.  unter verschiedenen Dirigenten in diversen Konzerten des „Migros – Kulturprozent – Cassics“.

Dirigent  Emmanuel Krivine, geboren in Grenoble, startete seine Karriere als Violinist. Im Alter von 16 Jahren wurde er mit dem Premier Prix des Paris Conservatoire ausgezeichnet und studierte bei Henryk Szeryng und Yehudi Menuhin. Sein Treffen mit Karl Böhm 1965 gab den Ausschlag, dass er sich auf das Dirigieren konzentrierte.

Renaud Capuçon, einer der weltbesten Geigenvirtuosen, spielt  auf der „Guarneri del Gesù, Panette, 1737“, die früher während 50 Jahren im Besitz des berühmtesten Violinisten seiner Zeit  Isaac Stern (1920 – 2001) war.

1.Konzertteil mit Werken deutscher Komponisten

Einleitend im Programm war das Vorspiel zu „Hänsel und Gretel „von E. Humperdick, das dem Orchester wenig Gelegenheit zur Profilierung bot.

In Max Bruch`s „Schottische Fantasie op. 46 für Violine und Orchester“, basierend auf schottischen Volksweisen, spielen die Harfen eine tragende Rolle. Der Komponist lehnt sich in allen vier Sätzen sehr stark auf original schottische Volksmelodien an. Das Werk war dem spanischen Meistergeiger Pablo Sarasate auf den Leib geschrieben, sollte auch von diesem uraufgeführt werden, was dann jedoch, aufgrund einiger Verstimmungen zwischen den beiden, nicht der Fall war. So war es dem ebenso berühmten deutschen Solisten Joseph Joachim vorbehalten, das Werk am 22. Februar 1881 in Liverpool aus der Taufe zu heben.

Hier verzichte Capuçon  auf übertriebene Glissandi, war auch in höchsten Lagen nie schrill, bewies grösste Sensibilität, konnte auch hauchzart akzentuieren, mit einer ganz auf schönen Ton ausgerichteten Phrasierung und wurde dabei vom ehemaligen Geiger Emmanuel Krivine und seinem Orchester hervorragend rücksichtsvoll unterstützt.

Absoluter Höhepunkt des 1. Konzertteils war die Zugabe

Mit Jules Massenets  Meditation aus Thaïs als Zugabe krönte Renaud Capuçon seine sonst schon überragende Darbietung und stellte einmal mehr unter Beweis, dass er einer der besten Virtuosen an der Violine unserer Zeit ist. Das Auditorium spendete denn auch begeisterten, stürmischen Beifall, der natürlich auch den andern Künstlern galt. Der Solist bat dann noch die Harfenistin Emilie Gastaud, die die Zugabe mit ihm im Dialog so wundervoll mitgestaltet hatte, für einen Extraapplaus  zu sich nach vorn an den Bühnenrand.  Trotz einiger Bravorufe und abschliessendem Applausorkan, reichte es nicht ganz zu einer stehenden Ovation. Diese hätte es, da bin ich mir sicher, ganz gewiss gegeben, wenn dies das Ende des Konzertes und nicht „nur“ der erste Konzertteil gewesen wäre. So aber begab man sich gutgelaunt in die Pause.

2. Konzertteil mit Werken französischer Komponisten

Maurice Ravel, der Prototyp eines Dandys, illustrierte tonal mit «Une barque sur lʼocéan» – ein tanzendes Boot auf den schimmernden Wellen des Meeres. Ursprünglich, wie die meisten seiner Werke, 2005 für Klavier komponiert, orchestrierte er das Werk erst zwei Jahre später, 2007 uraufgeführt. Da Ravel die Orchesterfassung jedoch nicht wirklich geglückt erschien, wurde sie erst 15 Jahre nach dessen Tod, also im Jahre 1950 veröffentlicht. Das Werk gehört zu seinem viersätzigen Zyklus „Miroirs“. Auch hier oblag den Harfen wieder eine tragende Rolle, übernahmen sie doch das Leitmotiv, das in der Urfassung dem Piano zugeteilt war. Dazu das glänzend aufgelegte Orchester, souverän in Klang, Rhythmus und Dynamik, unterstützend, den feingesponnenen Passagen der Harfen nie entgegentretend, sondern das Klangerlebnis ergänzend zur ausgereifter, betörenden Fülle.

Der krönende Abschluss des Konzertes

Die Sinfonie „La mer“, von Debussy selbst als «sinfonische Skizzen» untertitelt, ist das Musterbeispiel des musikalischen Impressionismus und heute eines seiner beliebtesten, am meisten gespielten Werke. Wie eigentlich alle Werke Debussys ist auch La mer“ kein Gassenhauer, sondern schön gradlinig reduziert, in karg formaler Form geschrieben, verdeutlicht es die besondere Beziehung des Komponisten zum Meer, hatten doch seine Eltern für ihn eine Laufbahn als Seemann vorgesehen, wie er seinem befreundeten Komponistenkollegen André Messager einmal in einem Brief offenbarte. Die beiden Ecksätze sind durch dasselbe Motiv verbunden In der Einleitung von Trompete und Englischhorn exponiert, wird es im Finale von der Solotrompete eingeführt, übernimmt in der Folge die Rolle des Meeres, dem der Wind als Dialogpartner gegenübersteht. So übernimmt der Mittelsatz „Jeux des vages“, also das Spiel der Wellen, gleichsam die Funktion eines Scherzos. Das Orchester, unter subtiler Führung seines Dirigenten, konnte hier aus dem Vollen schöpfen, magistral sich von den Wellen treiben, von Wogen tragen lassen. Debussy hat ebenso ausreichend Sequenzen in die Partitur geschrieben, die einzelnen Registersolisten Raum zum Profilieren bot, sei es für die Oboe, die Harfe, Trompete oder das Horn usw..

Gegen Schluss wechseln Sequenzen von Bässen zu den Oboen, Schlagwerk, Hörnern, Querflöte, Pizzicato der Celli, Tutti mit dominierenden Bläsern, Oboe, Xylophon, Hörnern, gefolgt von den Streichern übertrumpft von Oboe und Querflöte, Posaunen, Trompete, Tutti und endet mit einem veritablen Paukenschlag. Das Auditorium honorierte die Interpretationen des französischen Vorzeigeorchesters mit langanhaltendem stürmischem Applaus, garniert mit einigen Bravorufen.

Aussergewöhnlich, dass das Publikum schon vorher auch nach jedem einzelnen Satz Beifall spendete, nicht wie sonst üblich, nur am Ende einer Sinfonie.

Als ultimative, vom begeisterten Publikum herbeigeklatschten Zugabe, belohnten uns die Protagonisten noch mit «Barcarolle» aus Jacques Offenbachs «Hoffmanns Erzählungen».

Text: www.leonardwuest.ch

Fotos: sinfonieorchester.ch/home

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Seit neun Jahrzehnten ist die Surseer Operettenbühne schweizweit bekannt und galt immer schon als die beste Laienoperettenbühne des Landes. Bis weit in die 1970er Jahre  gehörte für die ländliche Bevölkerung ( vor allem aus dem Entlebuch und dem anschliessenden Emmental ) der jährliche Besuch der Operette Sursee zum kulturellen Höhepunkt des Jahres. So beförderten denn viele Carunternehmen aus der Deutschschweiz fast allabendlich teilweise ganze Dorfgemeinschaften, Trachtenvereine usw. aus fast allen Kantonen der deutschsprachigen Schweiz nach Sursee zur alljährlichen „Operette“.

Die Sorser Operette, der alljährliche Strassenfeger auf der Luzerner Landschaft

Kinos waren auf dem Lande spärlich gesät, Fernseher gabs noch nicht und wer schon, wer hatte gar ein eigenes Auto zu dieser Zeit. Das Angebot an kulturellen Anlässen auf dem Lande war damals, im Gegensatz zu heute, problemlos überschaubar, Heimunterhaltung wie z.B. Fernsehen oder Video schauen, den allerwenigsten zugänglich. So fusst teilweise der grosse Erfolg, den man am Stadttheater Sursee Dank dem Wechsel vom Schauspiel zum Singspiel vor 90 Jahren hatte und immer noch hat, auch auf der treuen Stammkundschaft aus ländlichen Gebieten. Unterstützt auch von den Carunternehmern, die die Tickets gleich hunderterweise kauften und die Carfahrten an die Sorser Operette fix in ihrem jährlichen Ausflugsprogranmm proklamierten.

Auch kritische Zeiten überstand man schadlos

Eine besonders heikle Phase gabs mal im Jahre 1966, als in der Innerschweiz die Maul – und Klauenseuche ausgebrochen war. Von den Behörden wurden recht restriktive Vorschriften erlassen, um eine weitere Verbreitung derselben möglichst zu verhindern. So mussten u.a. vor den Eingängen des Theaters, der Restaurants usw. Seuchenteppiche gelegt werden. Immerhin wurden die Fahrten der Cars nach Sursee nicht untersagt, wie anfänglich allseits befürchtet. Heute ist das Publikum weit durchmischter als früher, aber noch immer ist der Besuch der Operette ein gesellschaftliches Ereignis und fix in der Agenda eingetragen und auch viele, die früher mal mit ihren Eltern mit dem Marti Car an der Operette waren, kommen heute mit dem eigenen Auto und mit ihren Kindern und schwärmen von früheren Zeiten, als alles noch viel einfacher und weniger luxuriös war.

Erfolgsgeschichte wird auch im renovierten Stadttheater fortgeschrieben

Seit der grossen Renovation des Stadttheaters 199972000, sieht das neue Theater ja schon fast aus wie solche in grösseren Städten, der Charme der ganzen Inszenierung atmet aber nach wie vor in jeder Ritze des ehrwürdigen Gebäudes hinter der katholischen Pfarrkirche, dem man sich auch noch heute mit einer gewissen Ehrfurcht, aber auch grosser Vorfreude nähert. Noch immer sind Spuren früherer Akteurinnen zugegen, wenn auch nicht mehr visuell, so doch spirituell. Gute Geister, die mit Freude zur Kenntnis nehmen, dass die ihnen folgenden Generationen mit ebenso viel Engagement und ebensolcher Spielfreude diese Tradition fortführen und den guten Ruf des Hauses mit ihren Leistungen bewahren, ja gar ausbauen.

Erfolg auch mit Produktionen wie an den grossen Häusern

Mit grossem Respekt würden die Gründerväter feststellen, dass die heutigen Protagonisten die beiden letzten Jahre mit der „Fledermaus“ und „Boccaccio“ gar schon fast „richtige“ Opern erfolgreich auf die Bühne gebracht haben, ganz wie in grossen Häusern eben. Es gehört heute zum guten Ton, dass man in der Operette war, ist es doch auch noch so, dass man trotz teilweiser Professionalisierung, sehr viele Akteure persönlich kennt, gar mit ihnen verwandt ist. Sehr viel wird getan, ob auf der Bühne oder hinter der Kulisse, sei es als künstlerische Leiterin, sei es als Garderobiere oder Mittelbeschaffer, damit das Gesamtpaket Operette Sorsi sich weiterhin erfolgreich gegen eine immer grösser werdende Unterhaltungskonkurrenz behauptet und somit zuversichtlich den kommenden Jahren entgegengeblickt werden kann. Erneut ein starkes Zeichen gesetzt haben die Mitwirkenden auch dieses Jahr mit ihrem „Boccaccio“, dessen „Dernière“ ich, im ausverkauften Haus, angesehen habe. Auch am Schluss dieser Aufführung, wie an fast allen vorherigen, gab es eine verdiente „Standing Ovation“ für die Glanzleistung des Ensembles. Zum ausführlichen Bericht unserer Kolumnistin Noémie Felber über die Inszenierung gelangen Sie über unten eingefügten Link.

Kleine Fotodiashow der Boccaccio Produktion von Roberto Conciatori:

https://fotogalerien.wordpress.com/2018/01/14/stadttheater-sursee-boccaccio-operette-in-drei-akten-von-franz-von-suppe/

Bericht der Boccacio Première von www.noemiefelber.ch

https://innerschweizonline.ch/wordpress/stadttheater-sursee-boccaccio-von-franz-von-suppe-13-januar-2018-premiere-besucht-von-noemie-felber/

Text  www.leonardwuest.ch

Fotos: stadttheater-sursee.ch/willkommen