Besetzung und Programm:

Die bewegte und bewegende Geschichte der Leningrader Sinfonie und Näheres zum Dirigenten

.Im Oktober 1941 wurde Schostakowitsch mit seiner Familie aus Leningrad ausgeflogen und konnte das Werk in Kuibyschew fertigstellen, wo es am 5. März 1942 vom dorthin ausgelagerten Orchester des Bolschoi-Theaters unter Leitung von Samuil Samossud uraufgeführt wurde. Die Moskauer Erstaufführung am 27. März fand ebenfalls unter lebensgefährlichen Umständen statt, doch selbst ein Luftalarm konnte angesichts der fesselnden Musik die Zuhörer nicht dazu bewegen, die Schutzräume aufzusuchen. Stalin war daran interessiert, die Sinfonie auch außerhalb der Sowjetunion bekannt zu machen. Am 22. Juni dirigierte sie Sir Henry Wood in London, und Arturo Toscanini leitete die erste Aufführung der Sinfonie in den Vereinigten Staaten, die am 19. Juli 1942 in New York mit dem NBC Symphony Orchestra stattfand. Schostakowitschs Wunsch nach einer Aufführung in Leningrad ging erst kurze Zeit später in Erfüllung: Ein Sonderflugzeug durchbrach die Luftblockade, um die Orchesterpartitur nach Leningrad zu fliegen. Die Leningrader Erstaufführung fand am 9. August 1942, während der Leningrader Blockade, mit dem Radioorchester Leningrad (Dirigent: Karl Eliasberg) statt und wurde von allen sowjetischen Rundfunksendern übertragen.

Ursprünglich hatte Schostakowitsch seine vier Sätze mit den Titeln „Krieg“, „Erinnerungen“, „Heimatliche Weiten“ und „Sieg“ versehen, dies aber wieder zurückgezogen – sie kamen den Wünschen der Stalin-Bürokratie nach einer heroischen Kriegssymphonie zu sehr entgegen. Geplant war, dass die Sinfonie nur aus einem Satz besteht, dann entschloss der Komponist sich zum klassischen Aufbau mit 4 Sätzen.

„Ich widme meine Siebente Sinfonie unserem Kampf gegen den Faschismus unserem unabwendbaren Sieg über den Feind, und Leningrad, meiner Heimatstadt …“Zitat Schostakowitsch vom 29. März 1942 in der Prawda.

Seit 2003 hat Mariss Jansons die Leitungsposition beim Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks inne; seinen dortigen Vertrag hat er mittlerweile bis zum Jahr 2021 verlängert. Er debütierte am Lucerne Festival am 20. April 1992 mit dem London Symphony Orchestra.

Rezension:

Der erste, 27 Minuten lange Satz – mit dem plötzlichen Einbruch des Marschthemas und ihren elf Variationen, erst leise mit Geigen und Bratschen vorgetragen, begleitet von einer kleinen Militärtrommel, danach variiert durch Flöte, Oboe und Fagott, sich steigernd durch immer mehr Instrumente und schließlich kulminierend in einem Orkan von Bläsern und Trommeln auf dem „prasselnden Hintergrund der Violinen, die mit dem Bogenschaft auf die Saiten geschlagen werden – eine instrumentale Technik, die das Bild tanzender Skelette suggeriert“  – dies lässt niemanden kalt!

 

Etwas erstaunt war ich schon, dass ausschliesslich die „Leningrader Sinfonie“ programmiert war, also kein erster Programmteil so quasi zum „Aufwärmen“, denn  der direkte Einstieg in die „Leningrader“ ist schon relativ starker Tobak. Die Bayern liessen die Muskeln spielen, intonierten opulent, voluminös generös, trotzdem kompakt und streng hierarchisch, besonders kriegerisch  Oboen, Flöten und Klarinetten, versöhnlich der wunderbare Ton des Fagotts. Jansons führte diskret, jedoch bestimmt und gradlinig, liess den Registern Raum für individuelle Interpretationen innerhalb der gegebenen strukturellen Rahmenbedingungen der Partitur, wovon  vor allem die „Kleinbläser“ regen Gebrauch machten, aber nie überbordend ausufernd. Immer wenn das Gefühl aufkam, es münde nun ins Desaströse, fing der geborene Lette seine Mitmusiker auf und lenkte sie wieder in den Verbund zurück. Es war eine Demonstration der individuellen Klasse der einzelnen Orchestermitglieder im Dienste des Ganzen, was das sachkundige Publikum angespannt genoss. Mariss Jansons (1943*) interpretiert die „Leningrader“ transparenter und weniger düster als etwa sein deutlich jüngerer Landsmann  und Kollege Andris Nelsons (1978*). Obwohl das Konzert nur etwa 75 Minuten dauerte, wirkten die Protagonisten erschöpft, aber auch glücklich. Das Auditorium feierte die Musiker denn auch mit frenetischem Applaus, mündend in eine stehende Ovation, die von Orchester und Dirigenten sichtlich erfreut genossen, aber nicht mit einer Zugabe belohnt wurde. Ein würdiger Abschluss dieses, auch zuschauermässig, äusserst erfolgreichen Lucerne Festival an Ostern 2016.

Kleine Fotodiashow von Priska Ketterer Lucerne Festival

fotogalerien.wordpress.com/2016/03/21/sinfoniekonzert-2-symphonieorchester-des-bayerischen-rundfunks-mariss-jansons/

Trailer Dmitri Shostakovich: Symphony No.7  Arturo Toscanini Original Erstaufnahme vom 19. Juli 1942

www.youtube.com/watch?v=SG_KJI6sOwc

Text: www.leonardwuest.ch Fotos: www.lucernefestival.ch

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Besetzung und Programm:

Alumni-Orchester der LUCERNE FESTIVAL ACADEMY

Matthias Pintscher  Dirigent

Yeree Suh  Sopran

Pierre Boulez (1925–2016)
Don aus Pli selon pli. Portrait de Mallarmé für Sopran und Orchester

Gedenkansprache von Wolfgang Rihm

Alban Berg (1885–1935)
Drei Orchesterstücke op. 6

Igor Strawinsky (1882–1971)
Le sacre du printemps

Pierre Boulez (1925–2016)
Mémoriale (… explosante-fixe … Originel) für Flöte und acht Instrumente

Rezension:

Mit einem Gedenkkonzert im Rahmen des Oster-Festivals erinnerte LUCERNE FESTIVAL an Pierre Boulez. Der französische Komponist und Dirigent, der am 5. Januar 2016 verstarb, hatte das Festival geprägt wie kaum ein anderer.

 

Ein Programmheft ganz in Schwarz, ein Kondolenzbuch im Foyer und viel Französisch waren erste Merkmale des Gedenkkonzerts vom letzten Sonntag. Über Hundert ehemalige Musiker der Lucerne Festival Academy (gegründet 2002 von Pierre Boulez und Michael Häfliger) waren aus aller Welt angereist, um für diesen Auftritt ein Orchester zu bilden, das Alumni-Orchester der Lucerne Festival Academy. Dirigent war Matthias Pintscher, seit Beginn dieses Jahres dessen «principal conductor».

 

«Alumni» komme von Ernähren, erklärte Wolfang Rihm in seiner Gedenkansprache. Die jungen Musiker seien von Boulez «ernährt» und auf den Weg gebracht worden. Er erinnerte sich in seiner Hommage an einen generösen, einfachen, zugewandten und zugänglichen Menschen, welcher immer im richtigen Moment mit den richtigen Worten zu motivieren gewusst habe, die Möglichkeiten genutzt und gegeben habe, um Dinge zu ermöglichen und Weichen für die Zukunft gestellt habe..

Das Konzert begann mit «Don» aus «Pli selon Pli» von Boulez, einem Stück mit kleiner Streicher-, aber grosser Bläserbesetzung, acht Schlagzeugen und zusätzlichen Instrumenten wie Mandoline, Gitarren, Celeste und Sopran. Nach einem scharfen Anfangs-Akkord kommt das Stück aber leise und fast leichtfüssig daher, das Orchester scheint teilweise die Töne einzeln in den Saal zu setzen, Ansätze von Melodien schälen sich heraus, einzelne Instrumente positionieren sich kurz, um sich wieder mit dem Ganzen zu vereinen. Die Sopranistin Yeree Suh überzeugte in den gesungenen, gesprochenen, gehauchten Passagen mit ihrer glockenklaren Stimme, die sie perfekt zu modulieren wusste.

Alban Berg hatte seine Drei Orchesterstücke op. 6 als Geschenk für Arnold Schönberg gedacht. Mit knappen, präzisen Gesten führte Matthias Pintscher durch dieses Werk mit Passagen brachialer Gewalt, tänzerischen Motiven und aufblitzenden Walzertempis. Auch im nachfolgenden Sacre du printemps von Stravinsky überzeugten Dirigent und Orchester vollends. Die Spannung wurde durchwegs gehalten, auch in den leisen, beinahe elegischen Passagen, denen wiederum rhythmisch gehämmerte Takte folgten, ein riesiger Klangteppich, dämonisch-dynamisch, im zweiten Satz dann mystisch verhalten.

 

Als letztes Stück und als letzte Hommage an Boulez folgte „Mémoriale (…explosante-fixe…originel) ein elegant-französisch wirkendes Werk für Flöte und acht Instrumente, welches Erinnerungen an Debussy aufkommen liess. Solist Yi Wie Angus Lee überzeugte mit seiner Virtuosität, scheinbar mühelos erzeugte er flirrend zarte Töne auf seinem Instrument, diskret begleitet und getragen vom Ensemble der 8 Musiker.

Mit einem kurzen Moment der Stille zollte Pintscher Pierre Boulez ein letztes Mal Respekt, der ganze Saal folgte ihm in ebenso andächtiger Stille. Ein eindrücklicher Moment, ein unvergessliches Konzerterlebnis

Kleine Fotodiashow von Priska Ketterer Lucerne Festival:

fotogalerien.wordpress.com/2016/03/21/gedenkkonzert-fuer-pierre-boulez-alumni-orchester-der-lucerne-festival-academy-matthias-pintscher-yeree-suh-20-maerz-2016/

Text: www.gabrielabucher.ch

Fotos: www.lucernefestival.ch/de/

Besetzung und Programm:

La Capella Reial de Catalunya, Jordi Savall  Dirigent

Hanna Bayodi-Hirt  Sopran, Marta Mathéu  Sopran

Romina Basso  Mezzosopran, Cyril Auvity  Tenor, Konstantin Wolff  Bass

Marc-Antoine Charpentier (1643–1704) Te Deum H 146

Georg Friedrich Händel (1685–1759) Jubilate Deo D-Dur HWV 279

Antonio Vivaldi (1678–1741) Magnificat G-Dur RV 610

Johann Sebastian Bach (1685–1750) Magnificat D-Dur BWV 243

Tönendes Gotteslob aus vier Ländern lässt Jordi Savall zum Abschluss seiner Luzerner Residenz erklingen: in grosser Besetzung, mit seinem Orchester Le Concert des Nations und seinem Vokalensemble La Capella Reial de Catalunya. Frankreich ist mit Charpentiers unverwüstlichem Te Deum vertreten, dessen schmissiges Prélude als Eurovisionshymne Karriere gemacht hat. Händel wiederum komponierte sein Jubilate Deo 1713 zur Londoner Feier des Friedens von Utrecht. Im zweiten Teil stellt Savall dann zwei grundverschiedene Magnificat-Vertonungen einander gegenüber: Der Italiener Antonio Vivaldi hat den Lobgesang, mit dem die Jungfrau Maria auf die Verkündigung der Geburt Christi antwortet, knapp gefasst, aber dramatisch zugespitzt. Der Leipziger Thomaskantor Johann Sebastian Bach dagegen feiert in seiner berühmten Adaption ein barockes Fest, mit triumphierenden Trompetenklängen und einem verzückten Engelschor – als sängen die himmlischen Heerscharen.

Rezension:

 

Jordi Savall i Bernadet (1941*) ist nicht nur Musikwissenschaftler, Dirigent und Experte im Bereich der historischen Aufführungspraxis, sondern auch ein weltberühmter Gambist, der auch eigene Kompositionen zur Aufführung bringt. Ebenso ist er, zusammen mit seiner im Jahre 2011 verstorbenen Frau, Sopranistin Montserrat Figueras, Gründer der Capella Reial de Catalunya (1987) und der Formation “Le Concert des Nations“ (1989). Er ist am Lucerne Festival an Ostern 2016 präsent als «Artist-in-Residence»: mit einem weltmusikalisch inspirierten «Dialog der Seelen», einem Solorezital mit der Viola da Gamba und einem barocken Chorkonzert.

Reial. also königlich ist dieser ca. 25 köpfige Chor tatsächlich,

Begleitet vom ca. 20 köpfigen Orchester und unterstützt – ergänzt von den fünf Solist/innen. Stimmgewaltig, trotzdem fein abgestimmt und nuanciert intonierten die Vokalkünstler die vier programmierten Barockwerke, jedem Komponisten und dessen Eigenheiten mehr als gerecht werdend. Fulminant beginnend mit der Prélude des Te deum von Marc – Antoine Charpentier (jedem bekannt als Grundlage der Eurovisionsmelodie). Die gezierte Melodik der routiniert wohlgerundeten Streicher- und Trompetenlauten bringen den harmonischen Klang stilvoll zum Ausdruck. Während bei Charpentier auch noch eine gewisse Relation zu mittelalterlichen Klängen zu erahnen ist, steht die darauf folgende Musik Händels unverwechselbar klar barock in der Musikliteratur. Die Solisten fügten sich alternierend harmonisch in den Gesang der Capella Reial ein, ob solo, im Duett, Terzett oder Quartett. Wunderschöne Koloraturen der beiden Sopranistinnen wechselten mit dem klaren Tenor des französischen Barockspezialisten Cyril Auvity. Grossartig auch der deutsche Bassbariton Konstantin Wolff, schlicht Weltklasse Mezzosopran/Altistin Romina Basso. Ausser dem Tenor gaben alle andern Solisten mit diesem Konzert ihr Debut am Lucerne Festival. Der erste Konzertteil endete mit starkem, langanhaltendem Applaus des beeindruckt, ergriffenen Publikums.

Weiter ging es nach der Pause mit Vivaldis „Magnificat“, erstaunlicherweise orchestriert ohne Tenor und Blechbläser, was aber dem Vortrag nicht abträglich war, denn den restlichen Solisten bot sich dafür reichlich Gelegenheit zum Glänzen.

Dem knapp gefasst, aber dramatisch zugespitzten „Magnificat“ von Vivaldi stand zum Abschluss des Konzertes die Version von J.S. Bach als das barocke Fest, mit triumphierenden Trompetenklängen und einem verzückten Engelschor gegenüber. Beide Versionen überzeugten das sachkundige Auditorium im praktisch ausverkauften Konzertsaal. Die Protagonisten durften denn auch einen kräftigen, langanhaltenden Schlussapplaus entgegen nehmen für diesen einzigartigen Musikgenuss, Kirchenmusik auf allerhöchstem Niveau.

Trailer A. Vivaldi Magnificat in G minor RV 610, Jordi Savall

www.youtube.com/watch?v=DWoKahU0zGs

Text: www.leonardwuest.ch Fotos: www.lucernefestival.ch

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Besetzung und Programm:

Les Arts Florissants, William Christie  Dirigent

Rolando Villazón  Alessandro, Martina Janková  Aminta

Regula Mühlemann  Elisa, Angela Brower  Tamiri, Emiliano Gonzalez Toro  Agenore

Wolfgang Amadé Mozart (1756–1791) Il re pastore KV 208. Serenata in zwei Akten Konzertante Aufführung in italienischer Sprache | Koproduktion mit U-Live

22 Bühnenwerke hat Wolfgang Amadé Mozart in seinem kurzen Leben komponiert – ins Opernrepertoire aber sind eigentlich nur die sogenannten sieben «grossen» Musikdramen eingegangen, vom Idomeneo bis zum Titus. Und die anderen 15? Sind sie nicht gut genug? Keineswegs, wie William Christie und sein fabelhaftes Ensemble Les Arts Florissants mit der Aufführung des Pastoralidylls Il re pastore beweisen werden. Mozart komponierte diese Serenata im Alter von 19 Jahren als Huldigung für den Salzburger Fürsterzbischof Colloredo. Dessen Pendant auf der Bühne ist kein Geringerer als Alexander der Grosse, gesungen von Startenor Rolando Villazón. Der legendäre Feldherr hat die phönizische Stadt Sidon von einem Tyrannen befreit und will nun wieder den rechtmässigen König in sein Amt einsetzen. Der aber ist der Hirte Aminta, der nichts von seiner Herkunft ahnt und viel lieber sein privates Glück mit der Schäferin Elisa geniessen will … Mozart nähert sich dieser Parabel mit doppelbödiger Ironie

Grundsätzliches zum Werk:

 

Il re Pastore wurde nicht nur von Mozart, sondern auch von zahlreichen anderen bekannten Komponisten vertont, u.a. Giuseppe Bonno ,Christoph Willibald Gluck, Johann Adolph Hasse (für den Dresdner Hof von August III. Kurfürst von Sachsen). Mozart komponierte diese Serenata nach einem Opern-Libretto in drei Akten von Pietro Metastasio im Alter von 19 Jahren als Huldigung für den Salzburger Fürsterzbischof Colloredo zum Empfang von Erzherzog Maximilian Franz (etwa gleichaltrig wie Mozart), jüngster Sohn von Kaiserin Maria Theresia. Orchesterbesetzung

2 Flöten, 2 Oboen bzw. Englischhörner, 2 Fagotte, 4 Hörner, 2 Trompeten, Streicher, Pauken

Rezension:

Natürlich war man besonders gespannt auf den Auftritt, der inzwischen international gefeierten einheimischen Sopranistin Regula Mühlemann, die an der Luzerner Hochschule für Musik klassischen Gesang studiert und In der Spielzeit 2010/2011 dem Ensemble des Luzerner Theaters angehört hatte. Nach der Ouvertüre im typischen Mozart Sound betraten zuerst Martina Jankova (Aminta) und Regula Mühlemann (Elisa) die Szene und fesselten das Publikum sofort mit ihrem Gesang und der Darstellung als sorglos Liebende. Das Sorglose endete aber mit dem Auftauchen von Agenore, des Beraters von Alexander dem Grossen. Dieser klärte Aminta darüber auf, dass er, als legitimer Thronfolger, in Zukunft die Geschicke des nun befreiten Sidon leiten soll. Wenig begeistert, ergibt sich der Hirte Aminta darauf vorerst mal seinem Schicksal und begibt sich in das Zeltlager Alexanders, wo er über seine künftigen Pflichten als König unterrichtet werden soll. Über die Verbindung Amintas mit Elisa und von Agenore mit Tamiri (Tochter des früheren Tyrannen von Sidon Strato) nicht informiert, will er die Paare zum Wohle des Landes über Kreuz verheiraten, also Aminta mit Tamiri und Agenore mit Elisa. Während sich die Männer dem Entscheid Alexanders beugen wollen, protestieren die Damen aufs Heftigste und verteidigen ihre Liebe vehement, worauf Aminta klar macht, dass er in diesem Fall auf den Thron verzichten, seine Jugendliebe ehelichen und weiterhin als einfacher Hirte leben wolle. Dies besingt er denn auch mit einer der schönsten Liebesarien von W.A. Mozart „Làmerò, sarò costante“, in wunderbaren Zusammenspiel mit der Solo Violine. Beeindruckt ob so viel selbstloser Liebe, stimmt der Herrscher den ursprünglichen, also richtigen Verbindungen zu und preist das Sinnbild des „re pastore“, also des „Hirtenkönigs“ als Ideal des künftigen Staates.

Alle Akteure zeigten, nebst ihren unbestrittenen gesanglichen Fähigkeiten, auch beachtliches schauspielerisches Können. Rolando Villazon (Alessandro), verkörperte seinen Part mit Ironie und manchmal fast clownesk übertriebenem Witz, abgeklärt souverän, hat aber vor seiner krankheitsbedingten Auszeit mehr überzeugt als jetzt als leicht blässlicher Kavalierstenor. Emiliano Gonzalez Toro zeigte als „Agenore“ grosses komödiantisches Talent und beeindruckte mit perfektem Schmelz und Agilität. Alle Damen spielten und sangen mit sehr grossem Einfühlungsvermögen und Hingabe. Das begeisterte Publikum geizte nicht mit reichlich Szenenapplaus. Die Solisten wurden getragen von einem wunderbaren Orchester, diskret, aber zügig geführt von Dirigent William Christie, dem Villazon einen vergoldeten Lorbeerkranz auf den Kopf setzte. Gekrönt durch ein grandioses Finale, bei dem alle Akteure ihr aussergewöhnliches Können noch einmal demonstrieren konnten, beendete Christie dieses eindrückliche Konzert. Es folgte nicht endend wollender Applaus des begeisterten Auditoriums, der von den Akteuren sichtlich genossen wurde und sie nach langer Zeit motovierte, uns doch noch mit einer Zugabe zu erfreuen, bei der die Protagonisten scherzten, mit dem Publikum flirteten und einen Teil davon noch auf die Bühne baten.

www.youtube.com/watch?v=H1VGVNGki78

Text: www.leonardwuest.ch Fotos: www.lucernefestival.ch

www.gabrielabucher.ch  Paul Ott:www.literatur.li

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