Vulcain Jazz Classics: Charles Lloyd & Jason Moran Duo, Kongresshaus Zürich, 7. Mai 2016, besucht von Léonard Wüst
Besetzung: Charles Lloyd, Saxophones – Jason Moran, Piano
Rezension:
Charles Lloyd (*15. März 1938 in Memphis, Tennessee), der Mystiker des Jazz und der bekannteste Jazzsaxophonist neben Branford Marsalis, scheint sich in der Schweiz sehr wohl zu fühlen, kehrt er doch fast jährlich wieder. Pianist Jason Moran eröffnete das Set mit subtilen Klavierläufen, während Charles Lloyd entspannt sitzend, sich auf seinen Einsatz vorbereitete, vor ihm aufgereiht seine diversen Saxophone. Ob er die Töne mit dem Tenorsaxophon akzentuiert modelliert oder mit dem Alto sanft flüsternd streichelt, immer ist es dieser unverkennbare, einmalige Ansatz, der ihn zur Legende des Jazz gemacht hat und immer noch macht. Mit dem Pianisten Jason Moran stand ihm ein kongenialer, ebenbürtiger Partner zur Seite, der seinerseits, sich in sein Instrument förmlich hineinwühlend, starke Klangmomente auf die Bühne setzte, was dem deutlich älteren Lloyd sichtlich Vergnügen bereitete und ein sanftes Lächeln ins Gesicht zauberte. Die beiden spornten sich gegenseitig an, mal mit feingesponnenen lyrisch-poetischen Phrasen, mal auch wieder in peppig aufpeitschenden Passagen.
Des Öftern überliess Lloyd die Bühne ganz dem Tastenvirtuosen, der diesen Freiraum für sein eindrückliches Solo voller Spielfreude und Inspiration weidlich nutzte. Manchmal hatte man das Gefühl, dass sich Lloyd fast entschuldigend mit seinem Saxophon wieder ins Spiel einfügte, so, als wolle er den grandiosen Melodienzauber von Jason Moran keinesfalls stören. Das tat er natürlich überhaupt nicht, demonstrierte aber die Demut des Meisters vor solch grosser Kunst und bezeugte gleichzeitig die Achtung, die er seinem Bühnenpartner zollte. Besonders eindrucksvoll, dass er nie den Pianisten überspielte, sondern diesem den gleichen Spielraum, die gleichen Freiheiten einräumte, die er auch für sich in Anspruch nahm, was von grösstem Respekt zeugte. Die beiden Protagonisten bewegten sich auf höchstem musikalischem Niveau, spielten sich in andere Dimensionen, beeindruckten das Publikum mit ihrer totalen Präsenz, ohne laut oder schreierisch zu werden. Im Verlaufe dieser Phase setzte sich Lloyd neben Moran auf einen Klavierschemel, sie improvisierten vierhändig und Lloyd philosophierte dazu mit seiner sonoren, prägnanten Stimme, das Auditorium in nachdenklich-ehrfürchtige Stimmung versetzend. Darauf folgte wieder ein Teil mit schnelleren, rhythmischen Sequenzen, sich gar an den Swing annähernd, die das Publikum mitrissen. Das Auditorium feierte die beiden Ausnahmekönner mit stürmischem, langanhaltendem Applaus. Diese zeigten sich dafür noch mit ein paar Zugaben erkenntlich. Charles Lloyd, auch mit 78 Jahren noch modern, hellwach, neugierig und zeitlos inspirierend frisch.
Text: www.leonardwuest.ch
Fotos: Wikipedia und www.allblues.ch
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Das Philharmonische Orchester Rotterdam erwies sich als wahre Trouvaille, relativ unbekannt, hat es in sich den letzten zwei Jahrzehnten unter der Leitung von Valery Gergiev, amtierte von 1995 bis 2008 und dessen Nachfolger, dem jetzigen Leiter Yannick Nézet – Séguin, kontinuierlich weiterentwickelt und sein internationales Renommee enorm gesteigert und ist inzwischen, seit 2010, ständiges Residenzorchester am Pariser Théâtre des Champs-Elysées. Äusserst motiviert, kraftvoll und spielfreudig begaben sie sich in Dantes zweiten Kreis der Hölle im „Inferno“ der „Göttlichen Komödie“, das Tschaikowski musikalisch umgesetzt hatte mit seiner sinfonischen Fantasie in E-Moll „Francesca da Rimini“. Nach dem Zerwürfnis mit seinem Librettisten, hielt sich der Komponist an Dantes Originaltext und an Zeichnungen von Gustave Doré. Die Höllensturm Passagen im ersten Satz umrahmen die Liebeserzählung Francescas und steigern sich kontinuierlich, besonders bedrohlich instrumentiert durch den drohenden Bassgang, die sich dazugesellenden übrigen Streicher und Holzbläser, komplettiert durch das Holz und die Schlagwerke. Durch die manisch beschworene Tonfolge c – h im Bass rollt erneut eine Steigerungswelle näher, die allmählich abebbt und übergeht in den langsamen Mittelteil. Hier steht die hervorragende Soloklarinette für die Stimme Francescas, deren wehmütiger Gesang zuerst von den Geigen, dann von Flöten und Celli übernommen wird, dies alles ohne eigentliche thematische Entwicklung. Tschaikowski intensiviert die Klarinettenmelodie in gut russischer Tradition durch fabulöse Klangeffekte und melodische Metamorphosen, die aber wieder dem Wirbelwind weichen müssen. Trotzdem gelingt es Tschaikowski die Überlegenheit der Musik über die bildenden Künste deutlich zu machen, indem er auch die Gefühle Francescas zu vermitteln mag. Das sachkundige Publikum würdigte diesen musikalischen Leckerbissen entsprechend mit stürmischem, langanhaltenden Applaus.
Dann erwartete uns nicht nur ein akustischer, sondern auch optischer Genuss, als die attraktive argentinisch – schweizerische Doppelbürgerin Sol Gabetta mit ihrem Violoncello die Szene betrat. Sie spielt u. a. ein Guadagnini-Cello von 1759, das ihr vom Rahn Kulturfonds als Leihgabe zur Verfügung gestellt wird. Beim Konzert von Schostakowitsch, das eher kammermusikartig gehalten ist, also reduzierte Tonsprache, Verzicht auf üppige Klangmalerei zugunsten transparenter Durchhörbarkeit, konnte Gabetta ihr ausgeprägtes Flair für Tremolo, feinziselierte Tonmodulation und Wandelbarkeit ausspielen. Dies zeigte sich schon 2004, als sie internationales Aufsehen erregte bei ihrem Debüt am Lucerne Festival, als Gewinnerin des „Crédit Suisse Young Artist Award“, mit den Wiener Philharmonikern unter Valery Gergiev. Sol Gabetta zog das Publikum in ihren Bann. Angespannt und fasziniert folgte das Auditorium der Künstlerin durch das anspruchsvolle, aufwühlende Werk des russischen Komponisten. Nach dem furiosen Finale wogte eine tosende, nichtendenwollende Applauswelle durch den Tonhalle Saal, die die Solistin dann noch zu einer Zugabe bewog. Gutgelaunt begab man sich darauf während der folgenden Pause in die Foyers, wo angeregt diskutiert wurde. Die für das Kinderradio Moskau als Kompositionsauftrag geschriebene Sinfonie Nr. 7 von Sergej Prokofjew war nach der Pause programmiert. Da Prokofjew spätestens seit „Peter und der Wolf“ aus dem Jahre 1936 als Spezialist für anspruchsvolle Kinderkompositionen galt und sich auch gerne in Kindheitserinnerungen schwelgte, waren die idealen Voraussetzungen gegeben, obschon er selbst später hinterfragte, ob diese Musik nicht zu einfach sei, was aber durch die breite Anerkennung des Werkes, auch von Komponistenkollegen, zum Beispiel Schostakowitsch, negiert wurde. Prokofjew wob Motive seiner Ballettkomposition „Die Sage von der steinernen Blume“ ebenso in das Werk ein wie Fragmente der Musik sowjetischer Pioniere. Mal orchestriert er grimmige, brummende Basssequenzen von Celli und Kontrabass, dann wieder in dünner Höhenlage durch die Bläser, manchmal hektisch und aggressiver werdend, mündet das Finale mit der farbenprächtigen Wiederaufnahme des Hauptthemas zu einem versöhnlichen Ende. Hier entlockte der kanadische Dirigent Yannick Nézet – Séguin seinem Orchester mit prägnanten Gesten und vollem Körpereinsatz eine grandiose Virtuosität, die das Publikum mehr als zu überzeugen vermochte. Ein, wahrscheinlich den wenigsten Anwesenden bekanntes Orchester hat seine Visitenkarte abgegeben und wird bleibenden Eindruck hinterlassen. Dies demonstrierte auch der langanhaltende Schlussapplaus. Nach langer, fast zu langer Zeit gönnten uns die Holländer dann doch noch eine Zugabe.