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Besetzung und Programm:

Les Arts Florissants, William Christie  Dirigent

Rolando Villazón  Alessandro, Martina Janková  Aminta

Regula Mühlemann  Elisa, Angela Brower  Tamiri, Emiliano Gonzalez Toro  Agenore

Wolfgang Amadé Mozart (1756–1791) Il re pastore KV 208. Serenata in zwei Akten Konzertante Aufführung in italienischer Sprache | Koproduktion mit U-Live

22 Bühnenwerke hat Wolfgang Amadé Mozart in seinem kurzen Leben komponiert – ins Opernrepertoire aber sind eigentlich nur die sogenannten sieben «grossen» Musikdramen eingegangen, vom Idomeneo bis zum Titus. Und die anderen 15? Sind sie nicht gut genug? Keineswegs, wie William Christie und sein fabelhaftes Ensemble Les Arts Florissants mit der Aufführung des Pastoralidylls Il re pastore beweisen werden. Mozart komponierte diese Serenata im Alter von 19 Jahren als Huldigung für den Salzburger Fürsterzbischof Colloredo. Dessen Pendant auf der Bühne ist kein Geringerer als Alexander der Grosse, gesungen von Startenor Rolando Villazón. Der legendäre Feldherr hat die phönizische Stadt Sidon von einem Tyrannen befreit und will nun wieder den rechtmässigen König in sein Amt einsetzen. Der aber ist der Hirte Aminta, der nichts von seiner Herkunft ahnt und viel lieber sein privates Glück mit der Schäferin Elisa geniessen will … Mozart nähert sich dieser Parabel mit doppelbödiger Ironie

Grundsätzliches zum Werk:

 

Il re Pastore wurde nicht nur von Mozart, sondern auch von zahlreichen anderen bekannten Komponisten vertont, u.a. Giuseppe Bonno ,Christoph Willibald Gluck, Johann Adolph Hasse (für den Dresdner Hof von August III. Kurfürst von Sachsen). Mozart komponierte diese Serenata nach einem Opern-Libretto in drei Akten von Pietro Metastasio im Alter von 19 Jahren als Huldigung für den Salzburger Fürsterzbischof Colloredo zum Empfang von Erzherzog Maximilian Franz (etwa gleichaltrig wie Mozart), jüngster Sohn von Kaiserin Maria Theresia. Orchesterbesetzung

2 Flöten, 2 Oboen bzw. Englischhörner, 2 Fagotte, 4 Hörner, 2 Trompeten, Streicher, Pauken

Rezension:

Natürlich war man besonders gespannt auf den Auftritt, der inzwischen international gefeierten einheimischen Sopranistin Regula Mühlemann, die an der Luzerner Hochschule für Musik klassischen Gesang studiert und In der Spielzeit 2010/2011 dem Ensemble des Luzerner Theaters angehört hatte. Nach der Ouvertüre im typischen Mozart Sound betraten zuerst Martina Jankova (Aminta) und Regula Mühlemann (Elisa) die Szene und fesselten das Publikum sofort mit ihrem Gesang und der Darstellung als sorglos Liebende. Das Sorglose endete aber mit dem Auftauchen von Agenore, des Beraters von Alexander dem Grossen. Dieser klärte Aminta darüber auf, dass er, als legitimer Thronfolger, in Zukunft die Geschicke des nun befreiten Sidon leiten soll. Wenig begeistert, ergibt sich der Hirte Aminta darauf vorerst mal seinem Schicksal und begibt sich in das Zeltlager Alexanders, wo er über seine künftigen Pflichten als König unterrichtet werden soll. Über die Verbindung Amintas mit Elisa und von Agenore mit Tamiri (Tochter des früheren Tyrannen von Sidon Strato) nicht informiert, will er die Paare zum Wohle des Landes über Kreuz verheiraten, also Aminta mit Tamiri und Agenore mit Elisa. Während sich die Männer dem Entscheid Alexanders beugen wollen, protestieren die Damen aufs Heftigste und verteidigen ihre Liebe vehement, worauf Aminta klar macht, dass er in diesem Fall auf den Thron verzichten, seine Jugendliebe ehelichen und weiterhin als einfacher Hirte leben wolle. Dies besingt er denn auch mit einer der schönsten Liebesarien von W.A. Mozart „Làmerò, sarò costante“, in wunderbaren Zusammenspiel mit der Solo Violine. Beeindruckt ob so viel selbstloser Liebe, stimmt der Herrscher den ursprünglichen, also richtigen Verbindungen zu und preist das Sinnbild des „re pastore“, also des „Hirtenkönigs“ als Ideal des künftigen Staates.

Alle Akteure zeigten, nebst ihren unbestrittenen gesanglichen Fähigkeiten, auch beachtliches schauspielerisches Können. Rolando Villazon (Alessandro), verkörperte seinen Part mit Ironie und manchmal fast clownesk übertriebenem Witz, abgeklärt souverän, hat aber vor seiner krankheitsbedingten Auszeit mehr überzeugt als jetzt als leicht blässlicher Kavalierstenor. Emiliano Gonzalez Toro zeigte als „Agenore“ grosses komödiantisches Talent und beeindruckte mit perfektem Schmelz und Agilität. Alle Damen spielten und sangen mit sehr grossem Einfühlungsvermögen und Hingabe. Das begeisterte Publikum geizte nicht mit reichlich Szenenapplaus. Die Solisten wurden getragen von einem wunderbaren Orchester, diskret, aber zügig geführt von Dirigent William Christie, dem Villazon einen vergoldeten Lorbeerkranz auf den Kopf setzte. Gekrönt durch ein grandioses Finale, bei dem alle Akteure ihr aussergewöhnliches Können noch einmal demonstrieren konnten, beendete Christie dieses eindrückliche Konzert. Es folgte nicht endend wollender Applaus des begeisterten Auditoriums, der von den Akteuren sichtlich genossen wurde und sie nach langer Zeit motovierte, uns doch noch mit einer Zugabe zu erfreuen, bei der die Protagonisten scherzten, mit dem Publikum flirteten und einen Teil davon noch auf die Bühne baten.

www.youtube.com/watch?v=H1VGVNGki78

Text: www.leonardwuest.ch Fotos: www.lucernefestival.ch

www.gabrielabucher.ch  Paul Ott:www.literatur.li

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Produktionsteam
Howard Arman Musikalische Leitung
Nadja Loschky Inszenierung
Daniela Kerck Bühne
Gabriele Jaenecke Kostüme
David Hedinger Licht
Mark Daver Choreinstudierung
Dr. Christian Kipper Dramaturgie

Melodramma in zwei Akten von Vincenzo Bellini
Text von Felice Romani, nach Alexandre Soumet
In italienischer Sprache mit deutschen Übertiteln

Grundsätzliches:

Norma ist eine tragische Oper in zwei Akten von Vincenzo Bellini. Das Libretto stammt von Felice Romani und beruht auf einem Drama von Louis Alexandre Soumet. Die Uraufführung fand 1831 in Mailand statt. Die Oper spielt in Gallien im ersten Jahrhundert vor Christus. Die Spieldauer beträgt etwa zweieinhalb Stunden.

Die Uraufführung am 26. Dezember 1831 am Teatro alla Scala in Mailand endete trotz der hervorragenden Besetzung mit Giuditta Pasta als Norma, Giulia Grisi als Adalgisa, Domenico Donzelli als Pollione und Vincenzo Negrini als Oroveso mit einem Fiasko. Auch die 1832 erfolgten Aufführungen in Neapel und Venedig brachten nicht den von Bellini erhofften Erfolg. Dieser zeichnete sich 1834 in einer Aufführung im Teatro San Carlo in Neapel mit Maria Malibran in der Titelpartie ab, und ab 1835 verbreitete sich das Werk an den italienischen Bühnen und auf der ganzen Welt.

Ensemblemitglied Jutta Maria Böhnert, für die Titelrolle vorgesehen, musste krankheitshalber durch Morenike Fadayomi von der Deutschen Oper am Rhein in Düsseldorf, umbesetzt werden.

Rezension:

Am Luzerner Theater kann man den Kampf der Gallier gegen die Römer, ohne Mitwirkung von Asterix oder Obelix geniessen, die geheimen Machenschaften der sagenhaften und mächtigen Druiden zu ergründen versuchen, das Drama um die Oberpriesterin Norma mit ihren zwei, ausgerechnet vom römischen Besatzer Pollione gezeugten Kinder miterleben. Dieser römische Statthalter hat sich nun eine jüngere Druidin angelacht, sowas untergräbt natürlich auch Norma’s Autorität, ist also absolut nicht tolerierbar. Die Fronten sind also relativ rasch klar abgesteckt in dieser, selbst für damaliges Verständnis, doch sehr dürftigen, einfach gestrickten Geschichte.

Belcanto (Schöngesang) im wahrsten Sinne des Wortes, grossartige Stimmen gepaart mit exzellenten schauspielerischen Leistungen, alles unterstützt von einem adäquaten Bühnenbild inklusive passenden Diaprojektionen. Instrumental wie immer grossartig, das von Howard Arman geleitete Luzerner Sinfonieorchester. Obwohl eher ein Melodram für die weiblichen Stimmen, behaupteten sich der Bassbariton Flurin Caduff als Oroveso und Tenor Carlo Jung-Heyk Cho als Pollione nachhaltig eindrücklich auf der Szene. Leider etwas überlaut, fast schreiend gegenüber Norma hingegen im ersten Duett war Adalgisa (Marie-Luise Dressen). Alles überstrahlt natürlich die sehr lange Cavatine „Casta Diva“ zu der sich Morenike Fadayomi scheinbar mühelos aufschwang. Die Schlüsselarie ist geprägt von unendlichen, elegisch grundierten Kantilenen. Übergrosse Adlerschwingen integriert am Druidenthron visualisieren die aussergewöhnliche gesellschaftliche Stellung der Priesterin Norma in der gallischen Gemeinschaft. Das Drama nimmt seinen Lauf und gipfelt in der fast halbstündigen Schlussszene und dem Tod von Norma und Pollione auf den Scheiterhaufen.

Eine fast perfekte Adaption des Stoffes durch Regisseurin Nadja Loschky, wenn sie auf das Anzünden mittels eines Feuerzeuges und das Rauchen von Zigaretten durch Pollione und Flavio im ersten Akt und Verwendung einer Faustfeuerwaffe zur Bedrohung von Pollione durch Norma verzichtet hätte.

Nichtdestotrotz spendete das Premierenpublikum langanhaltenden, kräftigen Applaus, zu dem auch die Mitwirkenden im Hintergrund auf die Bühne gebeten wurden, wie auch der Dirigent Howard Arman. Trotz mehrerer Vorhänge reichte es nicht ganz zu einer stehenden Ovation. Gespannt, wie die originalbesetzte Jutta Maria Böhnert nach ihrer Wiedergenesung den schwierigen Part meistern wird, hat doch ihr Ersatz, Morenike Fadayomi, die Messlatte sehr hoch gelegt.

Nachtrag:

Einzig Edita Gruberova sang Casta Diva in der von Bellini vorgegebenen Originaltonart. („So steht es bei Bellini, so muss ich es auch singen.“, Zitat Gruberova) Selbst eine Maria Callas intonierte die Arie einen Ganzton tiefer, wie es Bellini auf Drängen der „Erstnorma“ Giuditta Pasta transponiert hatte. Pasta monierte, dass der Part in der Originaltonart fast unmöglich zu singen, da viel zu anstrengend, sei. „Norma“ geht stimmlich so an die Substanz, dass zwischen den Vorstellungen normalerweise immer fünf Tage liegen. (Zitat Intendanz Münchner Nationaltheater)

Besetzung und Programm:

Olga Scheps  Solistin am Klavier

Piotr Iljitsch Tchaikowsky  Die Jahreszeiten op.37a
Sergej Rachmaninoff  Variationen über ein Thema von Corelli d-moll op.42
Sergej Prokofjeff  Klaviersonate Nr.7 B-Dur op.83

Rezension:

Eine zierliche, hübsche und elegant gekleidete Person setzt sich an den Steinway-Konzertflügel, die junge, russische Pianistin Olga Scheps (* 1986). Sie verwöhnte die Zuhörer mit ihrem phantastischen Spiel von Tschaikowskys (1840-1893) „Jahreszeiten“. Diese werden selten gespielt, beinhalten zwölf Charakterstücke, für jeden Monat eines. Besonders bekannt, das für den Juni, bezeichnet als„Barkarole“=Schifferlied.

Olga Scheps, als Tochter zweier Pianisten, setzte sich schon im Alter von vier Jahren ans Klavier. Später wurde sie gefördert von Alfred Brendel und vertiefte ihre Kenntnisse anschliessend bei Arie Vardi und Dimitri Baschkirow. Die Solo-Rezitals der grossartigen Künstlerin sind beim Publikum in aller Welt gefragt, ebenso ihre Auftritte als Solistin mit diversen Orchestern.

Olga Scheps, als Landsfrau des Komponisten, spielte die Stücke mit viel Temperament und Eloquenz sowie mit grossem Gefühl. Viele Tonvariationen, rhythmisch militärisch, gefolgt von quirligen und dann wieder majestätisch tönenden Passagen. Monate mit Höhen und Tiefen, mit dezenten, diskreten und übergehend in heroische Klangwiedergaben. Ein farbenprächtiges Musikbild mit satten Grundfarben dekoriert mit Pastelltönen.

 

Nach der Pause: Eher modern: Variationen nach Corelli von Sergej Rachmaninoff (1873-1943). Der Komponist wohnte während des Schreibens des Stückes am Vierwaldstättersee. Er war tief beeindruckt von Tschaikowskys „Jahreszeiten“. Arcangelo Corelli (1653-1713) war ein italienischer Komponist und Violinist des Barock. Eine Fundgrube für zahlreiche Adaptionen. Klaviertechnisch eine echte Herausforderung, setzte die junge Russin die manchmal atonalen Partituren brillant um, spielte das Stück sehr feurig und mit grosser Hingabe.

Es folgte die Klaviersonate von Sergej Prokofjeff (1873-1943). Der Komponist verarbeitete mit dieser Komposition die traumatischen Ereignisse der Schlacht um Stalingrad im Jahre 1942, weshalb das Werk auch „Kriegssonate“ genannt wird.

Olga Scheps interpretierte die Sonate mit viel Einfühlungsvermögen und verstand es, die Emotionen, Hilferufe, Hektik und andere Zeichen der Zeit sehr differenziert musikalisch darzustellen.

Obwohl die Musikerin nach ihrer sagenhaften Leistung erschöpft sein musste, verzauberte sie das zahlreiche Publikum noch mit zwei Zugaben. Von Chr. W. Gluck / Melodie aus Orpheus, arrangiert von G. Sgambati und F. Chopin / Nocturne op.27 Nr. 2

Das Auditorium würdigte die Leistung von Olga Scheps mit langanhaltendem kräftigem Applaus, es gab sogar einzelne stehende Ovationen. Beglückt gingen die Zuhörer aus dem praktisch ausverkauften Tonhallensaal in die, obwohl im Monat März, winterlich anmutende Nacht hinaus.

Text: www.irenehubschmid.ch 

Fotos: Wikipedia und  www.zko.ch

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Paul Ott/Paul Lascaux:www.literatur.li

Produktionsteam und Solisten ersichtlich über eingefügte Links:

stadttheater-sursee.ch/dynasite.cfm?dsmid=508953

stadttheater-sursee.ch/dynasite.cfm?dsmid=508954

Was verbirgt sich hinter dieser geheimnisvollen Maske? – Soviel nur sei vorerst verraten: Sie gehört zu einer bittersüssen Liebesgeschichte, die den „blauen“ Faden liefert für einen Operettenklassiker, der alles zu bieten hat, was man sich wünscht –  Eine Handlung mit vielen Emotionen und Überraschungen – Orchesterzauber mit eingängigen Melodien, darunter bekannte Evergreens wie „Die Juliska, die Juliska aus Buda-Budapest“, „Schau einer schönen Frau nie zu tief in die Augen“, „Am Rio Negro“, „Ja, das Temp’rament“ –  mitreissende Tanz– und Ensembleszenen –  exotische Schauplätze!

Rezension:

Spektakuläres Bühnenbild, farbenprächtige Kostüme und eine zügige, amüsante Inszenierung prägen die „Maske in Blau“ im Stadttheater Sursee. Operetten Revuen wie ebendiese sind so etwas wie das Bindeglied zwischen traditioneller Operette österreichisch/ungarischer Prägung und den heutigen Musicals. Gespickt mit zahlreichen Evergreens, die ihre Popularität bis in die heutige Zeit behalten haben, erfreute die Komposition aus der Feder von Fred Raymond schon einige Generationen Musikbegeisterter. Das süffige Libretto von Heinz Hentschke, mit, für die damalige Zeit, relativ exotischen Schauplätzen, wie San Remo an der Riviera/Côte d`Azur, wo die Geschichte ihren Anfang nimmt, bis an den Rio Negro in Argentinien, wo es natürlich, wie in Geschichten dieses Genres üblich, zu einem Happy End kommt, trägt natürlich viel zum Erfolg dieses Werkes mit. Die meisten dieser Musik Revuen waren Auftragswerke verschiedener Bühnen, die ja immer neue Stücke brauchten, um ihre Häuser zu füllen. Raymond hat auch modern orchestriert, also regen Gebrauch der diversen Saxophons gemacht, was für traditionelle Operetten wenig gebräuchlich war. Er ging damit also bewusst neue Wege, wahrscheinlich inspiriert von amerikanischer Musik, die damals, dank Radio und Schallplatten, auch in Europa bekannt wurde und schnell begeisterte Anhänger fand.Das Haus, in dem Fall das Stadttheater in Sursee, füllt auch diese Inszenierung, waren und sind doch alle Aufführungen praktisch ausverkauft. Einmal mehr erweist sich diese Werkauswahl der künstlerisch Verantwortlichen als Volltreffer. Die Darsteller interpretierten ihre Rollen sowohl musikalisch, wie auch schauspielerisch auf hohem Niveau, mit kleinen Abstrichen beim manchmal etwas hölzern wirkenden Armando (könnte durchaus an seiner Körperlänge liegen).

Die quirlige Juliska (Dominique Lüthi), den Aufbruch verkörpernd und die souverän erhabene Evelyne (Stefanie Gygax) als Bewahrerin des Traditionellen, zeichnen die Figuren als Spiegelbilder ihrer Epoche. Die männlichen Figuren sind die perfekten Umsetzungsgehilfen und manchmal gar Persiflagen ihrer selbst, was das Publikum durchaus zu schätzen weiss, da der Humor traditionell seinen Platz in Revuen dieser Art hat und man ja nicht unbedingt nur ernsthaft unterhalten werden will. Das Stadttheater Sursee zementiert damit einmal mehr sein Renommee als eine der besten Laientheaterbühnen der Schweiz, wozu auch das Orchester mit seiner soliden Leistung das seinige beiträgt, indem es den Teppich legt, worauf die Darsteller ihre Leistungen bauen können. Die Zuschauer würdigten denn auch die Leistung der Künstler mit einem langen, kräftigen Schlussapplaus. Ein Vergnügen für jedermann, leicht verdaulicher Hör – und Sehgenuss. Musiktheater, das in Sursee im Jahre 1927 mit der Operette „Der fidele Bauer“ von Leo Fall, schon 20 Jahre nach deren Uraufführung in Mannheim, seine Erfolgsgeschichte startete und somit im Jahre 2017 seine neuntigjährige Tradition feiern kann.

Impressionen von der Riviera/Cote d`Azur bei San Remo:

youtu.be/DFpMfxl3VpY

Text  www.leonardwuest.ch

Fotos: stadttheater-sursee.ch/willkommen

Kleine Fotodiashow der Produktion von Roberto Conciatori:

fotogalerien.wordpress.com/2016/03/05/stadttheater-sursee-maske-in-blau4-maerz-2016/

www.gabrielabucher.ch  Paul Ott:www.literatur.li